http://art.bbrpg.ru/ Все о живописи ru-ru Tue, 06 Aug 2013 17:58:49 +0400 MyBB/mybb.ru http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=51#p51 <p>Джексон Поллок родился 28 января 1912 года в городке Коуди (штат Вайоминг). Впоследствии дружественные критики пытались сотворить из факта его рождения красивый миф. Обыгрывая название этого городка, получившего свое имя в честь знаменитого американского героя времен покорения Дикого Запада, они представляли художника таким же лихим ковбоем - свободолюбивым, непокорным, не признающим общих правил. Разумеется, никаким ковбоем он не был - семья Поллоков переехала из Коуди в Сан-Диего менее чем через год после рождения Джексона, а спустя год вновь двинулась в путь - на сей раз в Финикс, штат Аризона. Отец художника, Лерой Поллок, никак не мог найти постоянную работу, в поисках которой колесил вместе со своей семьей по американским просторам. В разное время он был садоводом, каменщиком, пастухом, администратором гостиницы, проводником охотников. В конце концов, он вообще практически оставил семью, присылая лишь изредка небольшие денежные суммы, а с детьми встречаясь во время каникул. <br />По существу, Джексон воспитывался матерью, Стеллой Поллок, - именно ее невротическая и властная натура наложила отпечаток не только на творчество Поллока, но и на всю его жизнь. Мальчик рос угрюмым и замкнутым; при этом у него случались вспышки гнева, и тогда он мог совершать самые неожиданные поступки, за что был дважды изгнан из школы. С ранней юности Джексон увлекся мистикой - прежде всего, философией Джидду Кришна-мурти, утверждавшего, что истина открывается человеку лишь интуитивно, в процессе свободного «излияния» личности; эти формулы глубоко запали в душу Поллока, во многом определив его мировоззрение. <br />«Излияние» это удобнее всего совершать в творчестве - считал молодой Поллок. Вместе с тем он не питал иллюзий по поводу своего таланта, весьма критически относясь к собственным возможностям. И все-таки он решил стать художником - мощным волевым усилием, казалось ему, вполне можно «выстроить» из себя что угодно. <br />В 1930 году восемнадцатилетний Поллок переехал в Нью-Йорк. Здесь он учился у художника Томаса Харта Бентона, представителя так называемого американского регионализма, отстаивавшего реалистическое изобразительное искусство (не без левого уклона) в спорах с модернистами. Критика возлагала на Бентона большие надежды, надеясь, что он положит первые камни в основание самобытной американской живописи, которая сможет составить конкуренцию европейской художественной продукции. Бентон полюбил Поллока, именно он посоветовал ему сменить имидж, превратившись из застенчивого калифорнийского паренька в крутого ковбоя. Учитель Поллока сильно пил; ученик в этом ни в чем ему не уступал. С тех пор и до самой смерти Поллока преследовали проблемы, связанные с его алкогольной зависимостью. <br />В 1935 году Бентон уехал из Нью-Йорка, после чего Поллок, лишившийся поддержки, «провалился» в настоящий запой. Жил он на деньги, получаемые в рамках государственной программы помощи неимущим художникам, так называемого федерального художественного проекта, организованного администрацией Рузвельта. Поллок чистил памятники, получал ремесленные заказы и даже выполнял в общественных зданиях настенные росписи. Впрочем, летом 1938 года он настолько увлекся возлияниями, что от его услуг отказались. Это вызвало еще больший «загул» - в результате молодой художник оказался в нью-йоркской лечебнице для алкоголиков. <br /> Там Поллок провел около четырех месяцев - на этот период приходится перелом в его художественном видении. Множество блокнотов и альбомов, которые он заполнил в больнице набросками с порожденными его «измененной» психикой кошмарными и сексуальными видениями, обозначили его отход от реализма в область сюрреализма и абстракции. Это было рождением индивидуальной манеры художника, прославившей его впоследствии. Отметим и еще важное. Многие критики утверждают, что Поллок вообще не умел рисовать - упомянутые наброски показывают, что это не так; несмотря на то, что художник не получил никакого систематического образования, он вполне адекватно передавал образы, имеющие своим прототипом реальные вещи. <br />Выйдя из лечебницы, Поллок объявил войну собственному алкоголизму, призвав на помощь гремевший тогда в Америке психоанализ. С подачи знакомого психоаналитика он принялся читать Фрейда и Юнга. Войну с алкоголем он проиграл, но следствием этого увлечения стала большая серия сюрреалистических работ. Около этого времени Поллок встретился со смотрителем музея Метрополитен, Джоном Грэхемом, верным поклонником примитивистской живописи. Грэхема заинтересовали крайне несовершенные в техническом отношении, но отдающие мистикой работы молодого живописца. Так начал складываться новый образ Поллока - образ художника-шамана, умеющего проникать в запредельное. <br />В 1941 году Грэхем познакомил Поллока с Ли Краснер. Это была судьба. Краснер происходила из семьи еврейских эмигрантов, приехавших в Америку из России, и к тому времени уже добилась некоторых успехов в качестве художницы. Вскоре Джексон и Ли стали жить вместе. Именно Краснер ввела Поллока в авангардные художественные круги Нью-Йорка. 1943 годом датируется еще одна судьбоносная встреча - на этот раз с Пегги Гуггенхейм, создательницей и вдохновительницей знаменитого Музея Соломона Гуггенхейма. В том же году Пегги Гуггенхейм организовала выставку, где впервые публике была представлена картина Поллока - этой картиной стала его «Стенографическая фигура», тепло принятая критикой. Пит Мондриан, один из столпов художественного авангарда, назвал ее «самой интересной из увиденных в Америке работ». Под занавес 1943 года стараниями Пегги Гуггенхейм открылась и первая персональная выставка художника. Она оказалась триумфальной. «Поллок обладает вулканическим талантом», - писал обозреватель «Нью-Йорк Тайме». <br />Между 1943 и 1947 годами Гуггенхейм устроила Поллоку еще три персональных выставки. Несмотря на восторженные отклики «продвинутой» критики, остро чувствующей новые постижения в искусстве, картины художника практически не продавались. В 1947 году Пегги Гуггенхейм нашла Поллоку нового агента - это была Бетти Парсонс, известная своим тонким вкусом и высоким профессионализмом. Но и у Парсонс не получилось сдвинуть продажи с мертвой точки - пять лет спустя разочаровавшийся в ней Поллок перепоручил свои дела Сиднею Дженису, специализировавшемуся на абстрактной и сюрреалистической живописи. <br />Дженису удалось продать одну картину Поллока за 8000 долларов. Это была самая большая сумма, полученная художником за свои работы, - в сущности, до конца жизни он находился в сильно стесненных обстоятельствах. <br />Осенью 1945 года Поллок женился на Ли Краснер, и новоиспеченные муж и жена переехали в небольшой дом на Лонг-Айленде, неподалеку от Ист-Хэмптона. Здесь начался последний интенсивный период в творчестве художника. Первое время он работал на верхнем этаже дома, в спальне, раскладывая холст прямо на полу, а летом 1946 года перебрался в сарай, переоборудованный в мастерскую. Его знаменитая «капельная живопись» появилась на свет именно в этом сарае. <br />Осенью 1950 года фотограф Ханс Немат опубликовал в журнале «Новости искусства» серию фотографий, запечатлевших создание Поллоком одной из его картин; придуманная им «методика» вызвала большой шум. Именно в это время Поллок после двух лет воздержания снова запил. К середине 1950-х годов он почти бросил писать; вскоре разрушилась и его семейная жизнь. Узнав о романе мужа с молодой натурщицей, Поллока покинула Ли Краснер. Это случилось летом 1956 года, а уже в августе художник, любивший в пьяном виде носиться по улицам на автомобиле, погиб в автомобильной катастрофе. Было ли это несчастным случаем или самоубийством - не ясно до сих пор.</p> <p>Поллок&#160; Лавандовый туман (1950)</p> <p>Эта типичная &quot;капельная&quot; картина создана Поллоком в его звездном, 1950-м, году. К этому времени художник довел до совершенства изобретенную им технику, но еще не &quot;отработал&quot; ее до &quot;автоматизации&quot; приема, грозящей самоповторами и окостенением формы. Первоначально работа называлась &quot;Номер 1&quot; (Поллок имел привычку называть картины периода &quot;капельной живописи&quot; по номерам). Романтическое название &quot;Лавандовый туман&quot; подсказал Поллоку искусствовед Клемент Гринберг, очарованный мягкими, пастельными тонами этой работы. &quot;Лавандовый туман&quot; отличается нежностью красок и их тонкими сочетаниями, смелыми цветовыми переходами, изысканным узором. Название, предложенное Гринбергом, удивительно точно отражает &quot;дымчатость&quot; (с преобладанием лавандовых тонов) этого произведения. Многие критики склонны ставить &quot;Лавандовый туман&quot; в один ряд с поздними работами Клода Моне.</p> <p>&#160; &#160; &#160; &#160; &#160; &#160; &#160; &#160; &#160;Художественная галерея 66/2005</p> <p>Информация взята из ресурса:&#160; &#160;<a href="http://paintingart.ru/" rel="nofollow" target="_blank">http://paintingart.ru/</a></p> mybb@mybb.ru (Андрей) Tue, 06 Aug 2013 17:58:49 +0400 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=51#p51 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=50#p50 <p>Жорж Пьер Сера родился в Париже 2 декабря 1859 года в зажиточной, но несколько необычной семье. Его отец, Антуан Кризостом, был министерским чиновником. Рано выйдя в отставку, он большей частью жил один в своем втором доме в Ренси. под Парижем. В погребе дома Антуан обустроил молельню, где отдавал дань своей набожности, совершая богослужения (с садовником в качестве служки). <br />Одну руку он потерял на охоте в результате несчастного случая и пользовался протезом. Во время обеда Антуан вставлял в протез вилку или нож, но часто забывал об этом, продолжая энергично жестикулировать во время разговора. Как писал позже один из его друзей, «он с такой силой размахивал своим острым оружием, что мне, сидевшему рядом с ним, постоянно приходилось опасаться за свои глаза», <br />Жорж видел отца только по вторникам, когда тот приезжал обедать в кругу семьи и «исполнять супружеские обязанности». Между ними не было особой близости, что не помешало сыну унаследовать отцовские черты характера - замкнутость, независимость и скрытность. <br />В детстве Сера ничем не отличался от своих сверстников. Чуть повзрослев, заинтересовался искусством. В местной школе живописи под руководством скульптора Жюстена Лекьена он осваивал традиционную манеру письма, копируя гипсовые слепки и репродукции с картин старых мастеров. У Лекьена Жорж нашел себе первых друзей. Ими стали Эдмон Аман-Жан и Эрнест Лоран, позже получившие известность как художники-символисты. <br />В 1878 году Сера принял и в Школу изящных искусств. Здесь он учился у Анри Лемана. Леман благоговел перед Энгром, учеником которого являлся, - это может многое сказать о его педагогических приоритетах. По сохранившимся студенческим работам Сера тоже видно, как старательно молодой художник копирует линейную манеру Энгра. При этом он живо интересовался новейшими течениями в живописи. В 1879 году Жорж посетил четвертую выставку импрессионистов и был поражен полотнами Моне и Дега. Знакомство с работами импрессионистов подтолкнуло Сера к самостоятельным поискам. Около этого времени он покинул Школу изящных искусств. <br />Свободой художник наслаждался недолго. Вскоре его призвали на военную службу, и весь следующий год Сера провел в 119-м пехотном полку, расквартированном в портовом Бресте. Служба оставляла время для досуга, и он продолжал настойчивые штудии, совершенствуя свое мастерство рисовальщика. <br />В ноябре 1880 года Сера демобилизовался и возвратился в Париж. Здесь он (вместе с Аман-Жаном) снял студию, ставшую местом его дальнейшей работы. О самой работе нам мало что известно, потому что до 1883 года Сера не выставлялся. Можно лишь предположить, что все это время художник занимался самообразованием. Неоконченный курс Школы изящных искусств, конечно же, в этом смысле был недостаточен. Материальная поддержка со стороны родственников позволяла художнику спокойно доучиваться по собственной программе, не думая о куске хлеба. <br />Поначалу Сера вплотную занялся рисунком. Чаще всего он рисовал белым мелом или пастелью. Период 1881-82 годов ознаменован его повышенным вниманием к человеческой фигуре. В эти же годы Сера написал несколько портретов. Один из них («Портрет Аман-Жана»), выставленный в Салоне 1883 года, удостоился сдержанных похвал. <br />Помимо живописи, Сера много читал, жадно интересуясь новейшими теориями и открытиями в области оптики и пытаясь проследить, как использовали законы оптики старые мастера. В частности, он внимательно изучил творчество Эжена Делакруа (1798-1863). В 1830-х годах Делакруа экспериментировал с цветом - наносил параллельными мазками чистые дополнительные цвета, не смешивая их друг с другом. <br />Молодой Сера предпочитал писать не на холсте, <br />а на деревянных досках, делая небольшие этюды маслом. В 1883 году он решился на крупное полотно, планируя им обратить на себя внимание в ближайшем Салоне. Видимо, сыграл свою роль и тот факт, что Аман-Жан и Лоран, вместе с которыми он начинал как художник, уже успели не без успеха выставить свои картины в Салоне. Сюжет работы был продиктован сценой на берегу Сены, поблизости от Парижа. Эти места привлекали многих импрессионистов - отчасти своими красотами, а отчасти тем, что добраться туда не составляло труда: регулярно ходил поезд. <br />На «Купание в Аньере» Сера потратил год, но жюри Салона отклонило работу. Те, кого постигла такая же судьба, в ответ организовали Салон отверженных (независимых). Вскоре состоялась его выставка, где Сера, наконец, получил возможность представить свою работу широкой публике. В отзывах о выставке царил разнобой. Один из критиков даже назвал работы «независимых» «неудачными, непонятными, ужасными, бессмысленными, анемичными и надуманными». И все равно Сера был счастлив. А с официальным Салоном он прекратил с тех пор всяческие отношения. <br />После выставки Сера с головой погрузился в жизнь, которую вели «независимые». Посещая их собрания, он тихо сидел в сторонке, посасывал свою трубку и наблюдал за происходящим. Несмотря на молчаливость, Сера вскоре стал душой компании. Наиболее яркой личностью в ней был Поль Синьяк, художник-самоучка, выросший на традициях импрессионизма. Он проявил огромный интерес к «пуантилизму» (или «дивизионизму») Сера. Очень важным оказалось то, что Синьяк гораздо точнее и доступнее автора формулировал новаторские идеи Сера. И в немалой степени именно благодаря его усилиям Сера впоследствии признали основателем нового течения в живописи. <br />Тем временем сам художник приступил к работе над еще одним большим полотном: «Воскресенье после полудня на острове Гранд-Жатт». Он писал картину на маленьком островке рядом с Аньером - как всегда, очень тщательно и методично На ее создание художник потратил почти два года. В 1886 году Сера показал свой шедевр на восьмой (и последней) выставке импрессионистов. <br />«Гранд-Жатт» произвел форменный фурор. Морис Эрмель назвал это полотно «манифестом живописи и знаменем новой школы». Это положение развил Феликс Фенеон. Фенеон стал подарком судьбы для Сера - он лучше других понял Значение его поисков в контексте всей истории живописи. Фенеон писал, что старое течение (импрессионизм) исчерпало себя, и на смену ему приходит новая волна художников, названных им неоимпрессионистами. Лидером и душой неоимпрессионистов критик «назначил» Сера. Тут, на его взгляд, и спорить было нечего. <br />Триумфальное шествие полотна «Гранд-Жатт», между тем, продолжалось. Картину показали на второй выставке Общества независимых осенью 1886 года и на выставке «Группы двадцати», собравшей бельгийских художников-новаторов. Синьяк писал: «Огромные толпы, постоянный шум, возмущенные буржуа и растерянные мазилы. В целом, большой успех для нас. Картину Сера невозможно было рассмотреть, ее всегда окружали тучи зрителей». <br />Мода на неоимпрессионизм быстро распространялась, и вскоре десятки художников принялись имитировать «пуантилистскую» манеру Сера. С одной стороны, все это очень льстило художнику, а с другой, - вызывало ревность. Он теперь пытался уклониться от выставок, опасаясь, что его идеи окажутся просто разворованы падкими на успех «товарищами». <br />Скрытность Сера распространилась и на его личную жизнь. В 1888 году он влюбился в белошвейку Мадлен Кноблох. Сера скрывал роман и от друзей, и от родных. В феврале 1890 года Мадлен родила мальчика. Сера дал ему имя, зеркально отражавшее его собственное, - Пьер Жорж. Родные по-прежнему ничего не знали. <br />В марте 1891 года художник заболел во время подготовки к очередной выставке Общества независимых. Буквально за три дня Сера «сгорел» - как предполагается, от менингита. Похоронили его в семейном склепе на кладбище Пер-Лашез.</p> <p>&#160; &#160; &#160; &#160; &#160; &#160; &#160; &#160; &#160; &#160; &#160; &#160; &#160; &#160; &#160; &#160; &#160; &#160; &#160; &#160; &#160; &#160; &#160; &#160; &#160; &#160; &#160; &#160; &#160; &#160; &#160; &#160; &#160; Художественная галерея&#160; 20/2005</p> <p>Информация взята из ресурса:&#160; <a href="http://www.art-spb.ru/" rel="nofollow" target="_blank">http://www.art-spb.ru/</a></p> mybb@mybb.ru (Андрей) Tue, 06 Aug 2013 17:57:55 +0400 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=50#p50 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=49#p49 <p>Эгона Шиле многие современники рассматривали как наследника Густава Климта, но который умер раньше, чем смог выполнить свое предназначение. Его отец Адольф Шиле работал на австрийской Государственной железной дороге, и отвечал за важную станцию Tully, где его сын и родился в июне 1890. Так как не имелось никакой соответствующей школы в Tully, Шиле был отослан в 1901, сначала к Krems, потом в Klosterneuberg в северных предместьях Вены. В 1904 все семейство последовало за ним туда из-за ухудшения здоровья его отца. Безумие Адольфа Шиле быстро прогрессировало и в следующем году он умер, в возрасте пятидесяти четырех лет. Шиле впоследствии всю жизнь чувствовал на себе влияние своего отца. В 1913 он писал сводному брату: <br /> “Я не знаю, есть ли кто - либо еще вообще, кто помнит моего благородного отца с такой печалью. Я не знаю кто еще в состоянии понять зачем я посещаю места, где он был и где я могу почувствовать боль... Я верю в бессмертие всех созданий… почему в моей живописи столько скорби и тому подобных вещей? Потому что это продолжает жить во мне.” <br /> Он невзлюбил свою мать поскольку считал, что она не носила достаточного траура по отцу: “Моя мать очень странная женщина…. Она совершенно не понимает меня и не сильно любит меня также. Если бы она любила меня или понимала, то она была бы готова хоть чем-то пожертвовать ради этого.” <br /> В течении его запоздалой юности, эмоции Шиле были направлены к его младшей сестре Герте, которые не обошлись и без кровосмешения. Когда ему было шестнадцать, и ей было двенадцать, они на поезде ездили в Trieste, где проводили ночи в двухместном номере в гостинице. В другом случае, его отец сломал дверь запертой комнаты, чтобы увидеть, что два его ребенка там делают вместе. В 1906 Шиле преодолел сопротивление своего опекуна, дяди по матери, и получил место в Школе Изобразительного искусства в Вене, где до этого учился Климт. Там в нем почувствовали проблемного ученика и отправили его в более традиционную Академию искусств. Шиле должным образом сдал вступительный экзамен и ему было в этот момент шестнадцать лет. В следующем году он разыскал своего идола, Климта, и показал ему некоторые из своих рисунков. “В них есть талант?” “Да” - ответил Климт. “Даже слишком много!” Климт любил поощрять более молодых художников, и он сильно помог Шиле, покупая его рисунки, или предлагая обменять их на некоторых из его собственных, устраивая модели для него и представляя его потенциальным патронам. Он также представил Шиле в цех ремесел связанных с Сецессионом. Шиле делал случайные работы для них с 1908 вперед - он сделал проекты для мужской одежды, для женских ботинок, и рисунки для открыток. В 1908 он открыл свою первую выставку, в Klosterneuberg. </p> <p> В 1909 он оставил Академию, после завершения его третьего года. Он нашел квартиру и организовал там студию. В это время предметом его картин часто становились дети на грани полового созревания, особенно девочки, как вспоминал Paris von Guetersloh, молодой художник, который был современник Шиле, что его студия была наводнена ими: “ Они там спали, укрывались от биений учиняемых родителями или полицией, просто лениво слонялись там целыми днями, расчесывали волосы, чинили одежду и обувь, мылись… подобно животным в клетке, которая удовлетворяет их, они были оставлены на их собственное усмотрение, или во всяком случае им верилось что самостоятельное.” <br />&#160; Уже превосходный рисовальщик, Шиле сделал много рисунков этих юных моделей, некоторые из которых были чрезвычайно эротические. Он, делает это своим доходом снабжая распространителей и коллекционеров порнографии, которых изобиловало в Вене в то время. Шиле был также очарован его собственным телом, и делает огромное количество автопортретов. Но впечатлил он не только самого себя, но и всех с кем входил в контакт. Автор Артур Роесслер, один из его защитников и покровителей, описывал его таким образом: “Даже в присутствии известных людей с экстремальными наклонностями, необычные взгляды Шиле выделились... Он имел высокое, тонкое, податливое тело с узкими плечами, длинными руками и длинными пальцами на костистых руках. Его лицо было загорело, безбородо, и окружалось длинными, темными, непослушными волосами. Его широкий, угловой лоб прорезали горизонтальные линии. Особенности его лица обычно замечались при серьезном, почти грустном выражении, как если бы вызванный болями, которые заставили его плакать внутри.... Его лаконичный стиль говорить афоризмами в сочетании с его взглядом производили впечатление глубокого внутреннего благородства, которое казалось более убедительным, потому что это было очевидно естественно и никоим образом не симулировалось.” <br />&#160; В течение этого периода, и впоследствии, Шиле любил производить впечатление чрезвычайной бедности. Но его утверждения, что в это время, он был фактически в тряпках, имеют разногласия не только с тем, что его современники говорят, но и с его оставшимися фотографиями. Его письма однозначно дают понять, что он страдал от мании преследования - например, он написал в письме от 1910: “Как отвратительно здесь! Каждый завидует мне и сговаривается против меня. Прежние коллеги разглядывают меня злорадными глазами.” </p> <p>&#160; В 1911 Шиле встретил семнадцатилетнюю Уолли Невзила, которая стала жить с ним и послужила моделью для некоторых из его лучших картин. Уолли была уже немного известна тем, что была до этого моделью для Климта, и возможно была одна из любовниц старшего живописца. Шиле и Уолли хотели выйти из клаустрофобии Венской обстановки, и переехали в маленький город Krumau, в котором Шиле имел семейные связи, но были вытеснены неодобрением местных жителей. Они тогда переехали в такой же маленький город Neulengbach, тридцать минут из Вены поездом. Также, как это было в Вене, студия Шиле опять стала сборищем для всех неблагополучных детей окрестности. Его стиль жизни неизбежно пробудил враждебность, и в апреле 1912 он был арестован. Полиция захватила больше чем сотню рисунков, которые они рассмотрели порнографическим, и Шиле был заключен в тюрьму, по обвинению в совращении. На суде обвинения в похищении и совращении были отклонены, но художник был признан виновным в показе эротических рисунков в месте, доступном для детей. Поскольку двадцать один день он уже провел в заключении, это было принято во внимание, и он был приговорен только заключению на три дня. Хотя судья счел обязательным для себя лично сжечь один из рисунков Шиле перед собравшейся толпой, он был очень рад так легко отделаться. В то время, как он был в тюрьме, он нарисовал ряд автопортретов, подписанных саможалостливыми фразами: “я не чувствую себя наказанным; только очищенным”; “ограничить художника - преступление. Это должно убить прорастающую жизнь.” Neulengbach дело не имело никакого эффекта на его карьеру, и очевидно не отразилось на его характере. <br />&#160; В 1912 он был приглашен показать свои работы на Sonderbund выставке в Кельне, и он познакомился с важным дилером Хансом Гольцем в Мюнхене. Их отношения были постоянной борьбой за цены на картины, Шиле который всегда требовал самые большие гонорары за свои работы. Тем временем он хвастливо писал матери, в марте 1913: “Все красивые и благородные качества были объединены во мне ..., я буду плод, который оставит вечную жизнь позади даже после ее распада. Насколько большой должен быть ваша радость, поэтому вы родили меня.” Самовлюбленность Шиле, эксгбиционизм и мания преследования могут весь быть обнаружены в эмблеме, которую он нарисовал для его первой индивидуальной выставки в Вене, проходившей в галерее Арно в самом начале 1915, в котором он изобразил себя как Cвятого Себастьяна. Год 1915 стал поворотным пунктом в жизни Шиле. В этом году он встретил двух девочек среднего возраста, которые жили напротив его студии. Эдит и Адель был дочери слесаря, владельца мастерской. Шиле привязался к им обоим, но в конечном счете остановился на Эдит; к апрелю 1915 он был очень увлечен ею, и Уолли Невзил была довольно равнодушно уволена. Последняя встреча Шиле к Уолли имела место в их местном кафе Eichberger, где они играл в бильярд почти каждый день. Он вручил ей письмо, в котором он предложил, чтобы, несмотря на их разделение, они брали отпуск вместе каждое лето - без Эдит. Не удивительно, что Уолли отказалась. Она присоединилась к Красному Кресту как медсестра и умерла от скарлатины в военной больнице около Раскола в Далмации как раз перед Рождеством 1917. Шиле и Эдит стали супругами, несмотря на протесты ее семейства, в июне 1915. Мать Шиле к тому времени уже умерла. <br />&#160; Через четыре дня после свадьбы Шиле был призван в армию. По сравнению с большинством его современников, он легко пережил войну. Он был передан отделению, транспортирующему Российских военнопленных к и из Вены, и позже стал клерком в тюремном лагере для Российских офицеров в нижней Австрии. Наконец, в январе 1917, он был переброшен в Вену непосредственно, чтобы работать для “Имперской и Королевской Комиссии для Армии в Области” - склад, который снабжал продовольствием, спиртными напитками, табаком и другими продуктами Австрийскую армию. В стране, где продовольствие все более и более дорожало, это было привилегированное место. <br />&#160; Армейская служба для Шиле не останавливала роста его популярности – о нем теперь говорили как о ведущем Австрийском художнике молодого поколения, и попросили принять участие на поддержанной правительством выставке в Стокгольме, и Копенгагене намереваясь улучшить образ Австрии в нейтральных Скандинавских странах. В 1918 он был приглашен быть главным участником на 49-ой выставке Сецессиона. Для этого он нарисовал проект эмблемы, напоминающей Тайную Вечерню, с его собственным портретом вместо Христа. Несмотря на войну, показ вызвал настоящий триумф. Цены за рисунки Шиле росли, и ему предлагали много портретов. Он и Эдит переехали в новый великолепный дом-студию. Но их удовольствия в нем были кратки. 19 октября 1918 Эдит, которая была беременна, заболела гриппом, тогда свирепствовавшим в Европе. 28 октября она умерла. Шиле, который, кажется никогда не написал ей настоящего любовного письма и который посреди ее болезни написал достаточно холодное письмо её матери, что, вероятно, она не останется жива, был опустошен потерей. Почти немедленно он слег с той же самой болезнью, и умер 31 октября, тремя днями после своей жены. </p> <p>Информация взята из ресурса: <a href="http://www.art-spb.ru/" rel="nofollow" target="_blank">http://www.art-spb.ru/</a></p> mybb@mybb.ru (Андрей) Tue, 06 Aug 2013 17:56:26 +0400 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=49#p49 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=48#p48 <p>Портрет (французское слово portrait) - это изображение облика какого-либо человека, его индивидуальности.</p> <p>Первые портреты появились ещё несколько тысяч лет назад в древнем Египте. Это были огромные каменные изображения египетских фараонов. Для того чтобы сделать такую скульптуру, тысячи людей работали несколько лет. C тех пор прошло много времени, но художники как писали портрет, так и продолжают писать.</p> <p>При создании портрета, главной задачей художника является правдивое изображение модели. Это означает не только банальное копирование внешности портретируемого - одежда, прическа, украшения, но и передача его внутреннего мира, характера. Ведь если вы не будете пытаться передавать человека как личность, портрет тогда у вас будет поверхностным и ничего не говорящим.</p> <p>Как лучше всего поступить, когда надо выразить в портрете такие понятия, как схожесть, характер, личность? Во первых, надо изучить основные признаки портретируемого, характерные черты его лица, обратить внимание на его манеру поведения - спокойный ли он или наоборот энергичный. Во вторых, если человек вам не знаком, надо получше его узнать. Для этого вам поможет обычный разговор, ведь как еще можно узнать человека поближе, если не во время беседы с ним. </p> <p>Мотивом для создания портрета может стать все, что угодно - от обычного заказа, что бывает чаще всего, до желания запечатлеть на память любимого человека.</p> <p>При создании портрета, прежде всего, следует обратить внимание на то, чтобы общая форма головы (лица) определяла все формы деталей (нос, уши, глаза, рот и т. п.) и возможные другие примечательные особенности человека, иначе изображаемое лицо будет раздробленным, а не общим. Это относится как к деталировке, так и к цвету. Все должно быть подчинено общей композиции. Воздействуя на композицию, художник воздействует на изображение в творческом смысле.</p> <p>Чем же интересны портреты? Разглядывая изображения людей, которые жили несколько лет назад, а может даже и несколько веков, мы видим историю человечества. Ведь художники являются современниками тех, кого изображают, а значит, в точности передают ту эпоху, давая историкам много дополнительной информации. Особенно интересны портреты известных исторических личностей. Ведь, как говорилось ранее, мы можем узнать по ним не только внешний вид, но и заглянуть во внутренний мир человека. </p> <p>Информация взята из ресурса:&#160; &#160;<a href="http://paintingart.ru/" rel="nofollow" target="_blank">http://paintingart.ru/</a></p> mybb@mybb.ru (Андрей) Tue, 06 Aug 2013 17:53:06 +0400 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=48#p48 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=47#p47 <p>Ню (фр. nu — обнажённый) — художественный жанр в скульптуре, живописи, фотографии и кинематографе, изображающий обнажённое человеческое тело.</p> <p>Предполагается, что ню в изобразительном искусстве зародился в эпоху Возрождения. Первые изображения были ограничены рамками мифологических, аллегорических, исторических и бытовых образов. Джорджоне, Тициан, Корреджо и другие художники этой эпохи воплощали в своем творчестве идеальные представления о женской красоте, при этом часто добавляя философско-поэтические оттенки. Для стиля барокко были характерны уже более пышные формы, а также жизненная прелесть юной цветущей красоты. Произведения в этом стиле говорят о чувственном, полнокровном восприятии мира. Одним из самых заметных представителей ню в стиле барокко является П. П. Рубенс. В XVIII веке ню появляется уже в образах рококо. В картинах появляются утонченно-грациозные, кокетливые, проникнутые чувственностью образы (Ф. Буше). В начале XIX века некоторые художники пытались вернуть классические каноны красоты (&quot;Источник&quot;, 1856 г.), но уже в середине века ряд живописцев использовал ню для создания слащавых, эклектических произведений. Вскоре, благодаря творчеству Э. Мане, жанр теряет мифические ассоциации, приобретая современный характер (&quot;Олимпия&quot;, 1863 г.). Но в XX веке в живописи жанр ню постепенно начал исчерпывать себя, поэтому живописцы активно занялись поисками новых художественных средств выражения.</p> <p>Известнейшими представителями мастеров, работавших в этом жанре являются:&#160; Джорджоне, Тициан, Корреджо, П. П. Рубенс, Ф. Буше, Ж. О. Д. Энгр, Э. Мане, Энтони Клоде, Валлу де Вильнев, Гюстав Курбе, П. Пикассо, Ж. Руо, К. ван Донген, А. Модильяни.</p> <p>Информация взята из ресурса:&#160; &#160;<a href="http://paintingart.ru/" rel="nofollow" target="_blank">http://paintingart.ru/</a></p> mybb@mybb.ru (Андрей) Tue, 06 Aug 2013 17:52:37 +0400 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=47#p47 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=46#p46 <p>Натюрморт - в переводе с французского на русский язык означает &quot;мертвая натура&quot;, то есть что-то неодушевленное. В натюрморте художники изображают различные предметы, которые окружают нас в жизни. Это могут быть предметы быта, например, посуда, инструменты. Или то, что даёт нам природа - фрукты, овощи, цветы. Очень часто в натюрмортах мы видим и предметы быта, и дары природы.</p> <p>В XVII веке натюрморт утвердился как самостоятельный жанр. В нем отразился интерес к материальному миру, зародившемуся еще в нидерландской &quot;живописи вещей&quot; начала XV века.</p> <p>Процесс становления натюрморта как жанра живописи протекал во многих странах Западной Европы. И здесь нужно отметить фламандских и голландских художников, которые по-своему решили задачу передачи всей яркости своих натюрмортов.</p> <p>Натюрморт не очень характерен для русского искусства XVIII и даже XIX века. Развитие изобразительного искусства первой половины XIX века отмечено общеусиливающимся интересом к народной жизни. Среди мастеров первой трети XIX века Венецианову принадлежит особенно значительное место. Отдельно натюрморты Венецианов не пишет, но использует их как дополнение картины.</p> <p>Натюрморты составляют значительный раздел художественного наследия Ивана Хруцкого. Талант художника раскрылся с особой силой именно в этом жанре живописи, посвященном изображению цветов, фруктов, овощей и других предметов. Именно в нем Хруцкому удалось найти собственные пути творчества, выразить в ярких пластических образах свою страстную любовь к природе.</p> <p>На рубеже веков натюрморт развивается как самостоятельный жанр. Уже к концу XIX столетия в русском искусстве происходит смена смысловых ориентиров. В 70-80е годы тема народной жизни стала объединяющей для русских художников.</p> <p>На смену этим художникам, которые известны нам под общим именем &quot;передвижники&quot;, не обращающих особого внимания на этот жанр, приходит плеяда молодых художников, творчестве которых натюрморт занимает главенствующее положение.</p> <p>Из произведений этого периода можно выделить натюрморт Харламова &quot;Фрукты&quot;, Кончаловского &quot;Хлебы на фоне подноса&quot; и Жуковского &quot;Подснежники&quot;.</p> <p>Информация взята из ресурса:&#160; &#160;<a href="http://paintingart.ru/" rel="nofollow" target="_blank">http://paintingart.ru/</a></p> mybb@mybb.ru (Андрей) Tue, 06 Aug 2013 17:52:04 +0400 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=46#p46 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=45#p45 <p>Марина (итал. marina, от латинского marinus - морской) — 1) морской вид или картина (а также pисунок, либо гравюра), изображающая море.; 2) жанр изобразительного искусства, в котором основным является отображение морской стихии в разных состояниях, а также воплощение борьбы с нею человека, попавшего в шторм. Является разновидностью пейзажа. Художников пишущих марины называют маринистами. Яркий представитель этого жанра — И. К. Айвазовский (1817—1900), написавший около 6000 картин на морскую тему.</p> <p>Во Франции существует официальное звание художника Морского флота, присваиваемое министром обороны выдающимся художникам-маринистам. Звание может быть присуждено не только художникам, но также фотографам, иллюстраторам, гравёрам и скульпторам.</p> <p>Знаменитые представители этого жанра: К. Ж. Берне (Франция), Кацусика Хокусай (Япония), У. Тёрнер (Англия), Х. В. Месдаг (Голландия), И.К. Айвазовский (Россия), А.П. Боголюбов (Россия). </p> <p>Из истории развития жанра:<br />В картинах итальянских мастеров XIV-XV вв. и нидерландских &quot;примитивов&quot; изображение моря связано с религиозными сюжетами. В качестве же отдельного жанра пейзажной живописи марина сформировалась в 17 веке в Голландии (Нидерланды), благодаря работам таких мастеров, как Я. Порселлис, С. де Влигер, Х. Сегерс, Я. ван де Каппелле, Л. Бакхёйсен, В. ван де Велде и др. </p> <p>Голландские живописцы изображали море в его различных ипостасях: это были и безмятежная водная гладь, и бурлящая стихия. Так же, море служило фоном для парусников, плывущих на фоне умиротворяющего заката, или же напротив, участвующих в морских баталиях. Кроме этого, морская стихия иногда наделялась особым смыслом, олицетворяя бурное «море житейское» или стихию любви и страсти. Именно такую роль играли в голландской живописи «картины в картинах» – морские пейзажи, изображённые в жанровых полотнах, где, например, молодая женщина читает любовное письмо, а по пейзажу, висящему за её спиной на стене комнаты, можно домыслить сюжет: спокойно или бурно складываются её любовные отношения. Небольшие по размеру картины голландцев отличались тонкостью цветовой гаммы.</p> <p>Первой мариной можно считать картину Корнелиса Антониса с изображением португальского флота (ок. 1520, Лондон, Морской музей). Первая &quot;Буря&quot; (созданная вне какого-либо исторического контекста) написана Питером Брейгелем Старшим (Вена, Музей истории искусств). Она стала последней картиной Брейгеля - необычайно смелая работа для живописи того времени. Над вздыбленной синей пучиной моря реют нежно-белые чайки. Они обещают кораблям близость желанного берега. И всякий волен предположить в брейгелевской Буре аллегорию грядущей свободы.</p> <p>Информация взята из ресурса:&#160; &#160;<a href="http://paintingart.ru/" rel="nofollow" target="_blank">http://paintingart.ru/</a></p> mybb@mybb.ru (Андрей) Tue, 06 Aug 2013 17:51:29 +0400 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=45#p45 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=44#p44 <p>Исторический жанр, один из основных жанров изобразительного искусства, посвященный воссозданию событий прошлого и современности, имеющих историческое значение. Исторический жанр часто переплетается с другими жанрами – бытовым жанром (так называемый историко-бытовой жанр), портретом (портретно-исторические композиции), пейзажем (&quot;исторический пейзаж&quot;), батальным жанром. Эволюция Исторического жанра во многом обусловлена развитием исторических воззрений и сформировался он окончательно вместе со становлением научного взгляда на историю (полностью лишь в 18–19 вв.).</p> <p>Его зачатки восходят к условно-символическим композициям Древнего Египта и Месопотамии, к мифологическим образам Древней Греции, к документально-повествовательным рельефам древнеримских триумфальных арок и колонн. Собственно исторический жанр начал складываться в итальянском искусстве эпохи Возрождения – в батально-исторических произведениях П. Уччелло, картонах и росписях А. Мантеньи на темы античной истории, трактованных в идеально-обобщенном, вневременном плане композициях Леонардо да Винчи, Тициана, Я. Тинторетто. В 17–18 вв. в искусстве классицизма исторический жанр выдвинулся на первый план, включив в себя религиозные, мифологические и собственно исторические сюжеты; в рамках этого стиля оформились как тип торжественной историко-аллегорической композиции (Ш. Лебрен), так и полные этического пафоса и внутреннего благородства картины, изображающие подвиги героев античности (Н. Пуссен).</p> <p>Поворотным пунктом в становлении жанра стали в 17 в. произведениях Д. Веласкеса, внесшего в изображение исторического конфликта испанцев и голландцев глубокую объективность и человечность, П.П. Рубенса, свободно соединившего историческую реальность с фантазией и аллегорией, Рембрандта, опосредованно воплотившего воспоминания о событиях нидерландской революции в исполненных героики и внутреннего драматизма композициях. Во 2-й половине 18 в., в эпоху Просвещения, историческому жанру придается воспитательное и политическое значение: картины Ж.Л. Давида, изображающие героев республиканского Рима, стали воплощением подвига во имя гражданского долга, прозвучали как призыв к революционной борьбе; в годы Французской революции 1789–1794 он изображал ее события в героически-приподнятом духе, уравняв тем самым действительность и историческое прошлое.</p> <p>Тот же принцип лежит в основе исторической живописи мастеров французского романтизма (Т. Жерико, Э. Делакруа), а также испанца Ф. Гойи, насытивших исторический жанр страстным, эмоциональным восприятием драматичности исторических и современных общественных конфликтов. В 19 в, подъем национального самосознания, поиски исторических корней своих народов обусловили романтические настроения в исторической живописи Бельгии (Л. Галле), Чехии (Й. Манес), Венгрии (В. Мадарас), Польши (П. Михаловский). Стремление к возрождению духовности средневековья и Раннего Возрождения определили ретроспективный характер творчества назарейцев в Германии и прерафаэлитов в Великобритании.</p> <p>С 1830–1840-х гг. получили также распространение салонные исторические композиции, сочетавшие пышную репрезентативность с претенциозностью, и небольшие историко-бытовые картины, в точных деталях воссоздававшие &quot;колорит эпохи&quot; (П. Деларош и Э. Месонье во Франции, М. фон Швинд в Австрии и др.). В середине – 2-й половины 19 в. со свежестью и непосредственностью этюда с натуры воскрешал характеры и нравы 18 в. А. фон Менцель в Германии, идеи национального возрождения питали историческую живопись Я. Матейко в Польше, М. Мункачи в Венгрии. К конце 19 в. в историческом жанре наметился поворот к приподнятой, символико-обобщенной трактовке реальных исторических образов (пластика О. Родена во Франции, Й.В. Мысльбека в Чехии), а в искусстве символизма и модерна – к ритмической стилизации монументальных исторических композиций (живопись П. Пюви де Шаванна во Франции, Ф. Ходлера в Швейцарии).</p> <p>Информация взята из ресурса:&#160; &#160;<a href="http://paintingart.ru/" rel="nofollow" target="_blank">http://paintingart.ru/</a></p> mybb@mybb.ru (Андрей) Tue, 06 Aug 2013 17:50:20 +0400 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=44#p44 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=43#p43 <p>Бытовой жанр, один из основных жанров изобразительного искусства, посвященный изображению частной и общественной жизни человека. Бытовые (&quot;жанровые&quot;) сцены, известные с глубокой древности (в первобытном искусстве, в росписях и рельефах Древнего Востока, древнегреческой вазописи, эллинистических росписях, мозаиках, скульптуре, средневековых фресках и миниатюрах), выделились в особый жанр в эпоху формирования в Европе буржуазного общества.</p> <p>Предпосылки для этого были заложены в искусстве Возрождения, когда художники начали насыщать бытовыми деталями религиозные и аллегорические композиции (Джотто, А. Лоренцетти в Италии, Ян ван Эйк, Р. Кампен, Гертген тот Синт-Янс в Нидерландах, братья Лимбург во Франции, М. Шонгауэр в Германии); в конце 15 – начале 16 вв. Бытовой жанр постепенно обособлялся у венецианцев В. Карпаччо, Я. Бассано, у нидерландцев К. Массейса, Луки Лейденского, П. Артсена, а в творчестве П. Брейгеля Старшего картины повседневности служили для выражения глубочайших мировоззренческих идей. В 17 в. окончательно сформировавшийся бытовой жанр, утверждал частный быт как значимое и самое ценное явление жизни.</p> <p>Возвышенная поэтизация бытовых мотивов, мощное жизнелюбие характерны для произведений П.П. Рубенса и Я. Йорданса, любование здоровой, естественной красотой простых людей– для &quot;бодегонес&quot; Д. Веласкеса. В Голландии, где окончательно сложились классические формы жанра, интимную атмосферу, мирный уют бюргерского и крестьянского быта воссоздавали А. ван Остаде, К. Фабрициус, П. де Хох, Я. Вермер Делфтский, Г. Терборх, Г. Метсю, глубинные противоречия жизни вскрывал в бытовых по форме сценах Рембрандт. Во Франции в 18 в. бытовой жанр представлен идиллическими пасторалями в стиле рококо(Ф. Буше), &quot;галантными сценами&quot;, в которые А. Ватто и Ж.О. Фрагонар внесли эмоциональную тонкость и остроту жизненных наблюдений, сентиментально-дидактическими композициями Ж.Б. Греза, лирическими полотнами Ж.Б.С. Шардена, воссоздающими частную жизнь третьего сословия.</p> <p>Социально-критическому направлению в бытовом жанре положили начало картины и гравюры У. Хогарта, высмеивающие нравы английского общества. В 16–18 вв. бытовой жанр переживал расцвет и в искусстве стран Азии –в миниатюре Ирана, Индии (К. Бехзад, Мир Сеид Али, Реза Аббаси), живописи Кореи (Ким Хондо), графике Японии (Китагава Утамаро, Кацусика Хокусай). В Европе 19 в. бытовой жанр стал полем социальной критики и публицистически заостренной сатиры (графика и живопись О. Домье), жанром, исполненным жизненной достоверности и пафоса утверждения красоты и внутренней значительности людей труда (Г. Курбе и Ж.Ф. Милле во Франции, А. фон Менцель и В. Лейбль в Германии, Дж. Фаттори в Италии, Й. Исраэльс в Голландии и др.). Во 2-й половине 19 в. мастера импрессионизма во Франции (Э. Мане, Э. Дега, О. Ренуар) утвердили новый тип жанровой картины, в которой стремились запечатлеть как бы случайный, фрагментарный аспект жизни, острую характерность облика персонажей, слитность людей и окружающей их среды; их творчество дало толчок к более свободному толкованию жанра, непосредственно-живописному воссозданию бытовых сцен (М. Либерман в Германии, К. Крог в Норвегии, А. Цорн в Швеции, Т. Эйкинс в США).</p> <p>На рубеже 19 и 20 вв. в искусстве постимпрессионизма, символизма, стиля модерн начался новый этап в развитии бытового жанра: бытовые сцены трактуются как вневременные символы, жизненная конкретность изображения уступает место живописной экспрессии, монументально-декоративным задачам (Э. Мунк в Норвегии, Ф. Ходлер в Швейцарии, П. Гоген, П. Сезанн во Франции и др.). Художники, работающие в бытовом жанре, называются жанристами.</p> <p>Информация взята из ресурса:&#160; &#160;<a href="http://paintingart.ru/" rel="nofollow" target="_blank">http://paintingart.ru/</a></p> mybb@mybb.ru (Андрей) Tue, 06 Aug 2013 17:49:47 +0400 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=43#p43 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=42#p42 <p>Бодегон (исп. bodegon, «трактир, харчевня») — жанр живописи эпохи Возрождения, характеризующийся изображением сцен в трактире, на улице, в лавке, с участием небольшого количества персонажей (в основном — простолюдинов), сочетающий в себе элементы бытовой сцены и натюрморта. Бодегон, в частности, был любимым жанром Диего Веласкеса во время «севильского» периода его творчества.</p> <p>Ведута (итал. veduta, «вид») — жанр европейской живописи эпохи Возрождения, представляющий собой картину, рисунок или гравюру с изображением городского пейзажа. Известнейшими представителями мастеров, работавших в этом жанре являются итальянец Каналетто и фламандец Пауль Бриль.</p> <p>Информация взята из ресурса:&#160; &#160;<a href="http://paintingart.ru/" rel="nofollow" target="_blank">http://paintingart.ru/</a></p> mybb@mybb.ru (Андрей) Tue, 06 Aug 2013 17:49:19 +0400 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=42#p42 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=41#p41 <p>Батальный жанр (от франц. bataille – битва), жанр изобразительного искусства, посвященный темам войны и военной жизни. Главное место в батальном жанре занимают сцены сухопутных и морских сражений, военных походов прошлого и современности. Такого рода изображения известны с древнейших времен (рельефы Древнего Востока, вазопись Древней Греции, рельефы на фронтонах и фризах античных храмов, на древнеримских триумфальных арках и колоннах, монументальные росписи Древней Индии, японская средневековая живопись и др.), в книжной миниатюре и декоративном искусстве средневековой Европы.</p> <p>Как самостоятельный батальный жанр формируется в Италии эпохи Возрождения, в творчестве П. Уччелло, Пьеро делла Франческа; героическая обобщенность присуща батальным сценам Леонардо да Винчи, Микеланджело, Тициана, Тинторетто. В 17 в. сближению батальной живописи с историческим жанром способствовали картины Д. Веласкеса, глубоко раскрывавшего исторический смысли этическую подоснову военных событий, и произведения П.П. Рубенса, захватывающие зрителя своими динамикой и драматизмом.</p> <p>В батальном жанре формируются типы условно-аллегорической композиции с изображением полководца на фоне выигранной им битвы (Ш. Лебрен), небольшой картины с эффектными сценами кавалерийских стычек (Ф. Вауэрман), морских сражений (В. ван де Велде), видами армейских привалов и биваков, перекликающимися с произведениями бытового жанра (А. Ватто). В 1-й половине 19 в. на развитие батального жанра наложили отпечаток историзм и эмоциональный пафос романтизма; события эпохи наполеоновских войн и национально-освободительных движений в Европе запечатлены в живописи А. Гро, Т. Жерико, Э. Делакруа, О. Верне во Франции, Ф. Гойи в Испании, П. Михаловского в Польше и др. Во 2-й половине 19 в. в военных сценах и батально-исторических полотнах А. фон Менцеля в Германии, А. Фаттори в Италии, У. Хомера в США и др. усиливаются пейзажные, жанровые, психологические начала, внимание к действиям и переживаниям рядовых участников военных действий.</p> <p>Художники, работающие в батальном жанре, называются баталистами.</p> <p>Информация взята из ресурса:&#160; &#160;<a href="http://paintingart.ru/" rel="nofollow" target="_blank">http://paintingart.ru/</a></p> mybb@mybb.ru (Андрей) Tue, 06 Aug 2013 17:48:05 +0400 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=41#p41 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=40#p40 <p>Анималистический жанр (от лат. animal – животное), вид изобразительного искусства, в котором ведущим мотивом является изображение животных. Остро стилизованные, имевшие, как правило, магическое значение фигуры зверей и птиц были распространены в первобытном искусстве, в памятниках евроазиатского &quot;звериного стиля&quot; (в том числе у скифов, сарматов, саков и других племен), у народов Африки, Океании, древней Америки; непревзойденной монументальностью отличаются изображения реальных и мифологических животных в искусстве Древнего Востока, экспрессивной динамикой – в настенных росписях, вазописи, пластике крито-микенской цивилизации, искусстве классической античности и эллинизма.</p> <p>Собственно анималистическийжанр появился в Китае в периоды Тан (8 в.) и Сун (13 в.). В средневековом искусстве Европы были распространены почерпнутые из фольклора, языческих и христианских легенд сказочно-гротескные образы зверей и птиц; художники эпохи Возрождения (Пизанелло, А. Дюрер) начали рисовать животных с натуры. Европейский анималистический жанр сформировался (первоначально во многом как аллегорический - морализирующий, когда те или иные животные выступали как олицетворение человеческих пороков и добродетелей) в 17 в. в искусстве Голландии (П. Поттер, А. Кейп, М. де Хондекутер) и Фландрии (Ф. Снейдерс, Я. Фейт).</p> <p>В дальнейшем в произведениях мастеров анималистического жанра естественнонаучный интерес и стремление к точному воссозданию повадок и природной пластики животных (К. Труайон во Франции, Б. Лильефорс в Швеции и др.) соседствуют с романтическим восхищением их силой и ловкостью (А.Л. Бари во Франции) или с декоративной стилизацией образов животного мира. Художники, работающие в анималистическом жанре называются анималистами.</p> <p>Информация взята из ресурса: <a href="http://paintingart.ru/" rel="nofollow" target="_blank">http://paintingart.ru/</a></p> mybb@mybb.ru (Андрей) Tue, 06 Aug 2013 17:47:17 +0400 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=40#p40 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=39#p39 <p>Творчество Василия Дмитриевича Поленова – одно из самых весомых явления в живописи России второй половины XIX века. Его многогранное мастерство не знало границ. Поленов театральный художник и живописец, музыкант и архитектор.</p> <p>Родился Василий Дмитриевич Поленов в Петербурге 20 мая (1 июня) 1844 года в культурной дворянской семье. Его отец - Дмитрий Васильевич Поленов, сын академика по отделению русского языка и словесности, - был известным археологом и библиографом.&#160; Мать художника, Мария Алексеевна, писала книги для детей и занималась живописью.</p> <p>Способность к рисованию была свойственна большинству детей Поленовых, но самыми одаренными были сын Василий и младшая дочь Елена. В будущем они стали знаменитыми художниками.&#160; С детьми занимались профессиональные педагоги из академии искусств. Встреча с одним из преподавателей – Чистяковым П.П. – стала очень важной для жизненного и творческого пути Поленова. Чистяков обучал Поленова и его сестру искусству живописи с 1856 по 1861 год. В то время он требовал от учеников странного изучения натуры. &quot;Натура, - вспоминал впоследствии Поленов, - устанавливалась надолго, и рисунок производился систематически, не условным приемом, а тщательным изучением и, по возможности, точной передачей натуры&quot;. Чистяков смог передать своему ученику профессиональный подход к живописи, искусную манеру изображения природы. Поленов смог усвоить то, что искусство может&#160; возникнуть лишь в результате тяжелой и упорной работе.</p> <p> В 1863 году, окончив гимназию, вместе со своим братом Алексеем поступает в Петербуржский университет на физико-математический факультет.&#160; Он долго сомневался в своем выборе. Одновременно с учебой он посещает Академию выходки, где с удовольствием обучается строительному искусству, истории утонченных искусств. Также не прекращает занятия музыкой. Он был не только постоянным посетителем оперного театра, но и сам пел в хоре Академии. Поленов на время оставляет учебу в университете и с головой погружается в занятие живописью.&#160; Он сделал правильный выбор, так как его старания принесли ему успех. Поленов оканчивает ученический курс Академии и получает серебряную медаль за этюд. После этого побеждает в конкурсе по выбранной им тематике исторической живописи.</p> <p>В 1868 году снова становится студентом, но теперь уже юридического факультета.&#160; В 1871 году получает диплом юриста. Поленов стремится создать произведение высокого уровня и стиля. Он хотел прибавить изображению возвышенности.&#160; Многие отмечали большую теплоту ощущения, выраженного Поленовым в образе девочки, которая тянет худенькую руку к Христу.</p> <p>Прошло несколько лет, и Поленов нашел себя как художник. Василий отправляется на длительное время стажироваться в&#160; Париж, и написал там, в числе другого картину «Арест графини д’Этремон», что обеспечила ему в 1876 г. звания академика. Реалистичные устремления художника, которые укреплялись под воздействием И.Репина и А.Боголюбова, полнее оказались в его тонких пленэрных пейзажах и этюдах. По возвращении на родину Поленов становится убежденным сторонником национально-демократического искусства. Он пишет правдивые, проникнутые любовью к людям из народа портреты пересказчика былины Н.Богданова (в 1876 г.), сельского мальчика Вахромея (в 1878 г.), картину из крестьянской жизни «Семейное горе» (в 1876 г.).</p> <p>Вернувшись в 1876 г. к России, вскоре отправился на театр русско-турецкой войны, в течение которой заключался официальным художником при главной квартире наследника-цесаревича (впоследствии императора Александра 3). По окончанию войны поселился в Москве. После много путешествовал.</p> <p>Захват Поленова Венецией усиливался из-за того, что она была родиной его любимого художника Пауло Веронезе, что покорил его еще в период учения в Академии выходки. С тех пор захват Веронезе не проходило, становясь, год от года все более осмысленным и целеустремленным. Поленов с его задатками колориста ошеломлял огромный колористический дар венецианского художника, сила его живописи. &quot;Какое тонкое ощущение краски, - увлекался Поленов, - какое необычное умение сочетания и подбора тонов, какая сила в их, какая свободная и широко развернутая композиция, при всем этом легкость кисти и работы, как я ни у кого не знаю!&quot;. Преклоняясь перед красотой колорита полотен Веронезе. После проехал в Рим, но он его разочаровал. &quot;Сам Рим... какой-то мертвый, отсталый, отживший, - поделившийся своими наблюдениями Поленов с Репиным. - Существует он ... сколько веков, а даже и типичности нет, как в немецких средневековых городах... Нет в нем жизни своеобразной, собственной, а весь он вроде бы существует для иностранцев... О художественной жизни в современном смысле и помина нет, художников много, а толку мало; работают все замкнуто, каждая национальность отдельно от другой, студия их хотя и отомкнутые, но главным образом опять же для богатых заморских покупателей, так что и искусства подгоняются к их вкусу... Римский художник уже в первой своей картине является рутинным имитатором. Старые итальянцы меня тоже не захватывают...&quot;. Поэтому в Риме не было создано ни одной картины.</p> <p>Период пенсионерской командировки помог Поленову понять, что историческая живопись не является его настоящей стихией. Взгляды Поленова безраздельно обратились к пейзажу. Такой был итог его исканий за рубежом.</p> <p>Гуманистическое дарование Поленова, наконец, раскрывается в свою полную силу и раскрывается именно на русской почве, обнаруживая при этом именно свой русский состав. Его ожидало, овладев пленэрной живописью, добиться при этом полнозвучности и богатства краски, их эмоциональной насыщенности, что и было достигнуто в следующих за &quot;Московским двориком&quot; произведениях, написанных со всем блеском живописного мастерства, - картине &quot;сад Бабушки&quot; и &quot;Заросший пруд&quot;.</p> <p>Например, картина &quot;сад Бабушки&quot; экспонировалась на VII Передвижной выставке в 1879 году. В рецензии на выставку Стасов назвал &quot;сад Бабушки&quot; в числе лучшей вещи, отметив ту, что его отличается &quot;свежестью тонов&quot; живопись. Она действительно, прежде всего, покоряет именно своей живописью. Ее пепельно-серые с сиреневым и голубоватым отливом, бледно-розовые, песочные, серебристо-зеленые всевозможных оттенков тона, гармонично совмещаясь, друг с другом, образуют единственную колористическую гамму. Образ, созданный в картине художником, лишен одноплановости; в нем естественность и гармонично совмещаются разные аспекты восприятия жизни, ее осмысления. Изображает старый барский особняк и его дряхлую владелицу, Поленов, в отличие от Максимова с его картиной &quot;Все в прошлом&quot;, ничего не рассказывает зрителю о стиле этой жизни. Это ощущение гармонии и красоты жизни будит в зрителе то светлое и усмиренное&#160; настроение, которым решается его элегическое размышление над сценкой, сохраненной художником.</p> <p>В картине «московский дворик» автор воспроизвел типичный уголок старой Москвы - с ее особнячками, церковью, заросшей зеленой травой двориками, с ее почти провинциальным стилем жизни. Утро ясного солнечного дня в начале лета (по воспоминаниям самого художника). Легко скользят по небу тучи, все выше поднимается солнце, нагревая своим теплом землю, зажигая нестерпимым блеском купола церкви, подворачивая густую тень... Дворик оживает: торопливо направляется к колодцу женщина с ведром, деловито роются в земле у сарая куры, затеяли суматоху в густой зелени травы ребята, вот-вот двинулся в дорогу запряженный в телегу конь... Эта будничная суматоха не нарушает беззаботную ясность и тишину.</p> <p>В дальнейшем развитие Поленова-пейзажиста в эпоху 90-х лет неразрывно связано с его жизнью на березе Оки, которая стала в эти годы неисчерпаемым источником его творческого вдохновения. Мечтая поселиться &quot;на природе&quot;, Поленов приобрел в 1890 году небольшое имение &quot;Бехово&quot; в бывшем Алексинском уезде, Тульской губернии. Там им был построен по собственному проекту дом с мастерской для друзей-художников. Усадьба была названа &quot;Борок&quot;. Выбор нового места для обитания счастливо совпал с направлением творческих поисков Поленова 90-х лет и можно сказать, во многом способствовал успеваемости этих поисков. Природа района содействовала развитию в Поленова поезда к эпическому пейзажу. Художник очень быстро нашел свою тему в пейзаже и с этого момента стал настоящим поэтом Оки.</p> <p>Последние годы жизни Поленов провел в Борке. Он продолжал постоянно работать, вдохновляясь пейзажами Оки, где были написаны много пейзажи мастера, он собрал художественную коллекцию для открытия общедоступного музея. В настоящий момент там Музей В. Д. Поленова.</p> <p>Восемнадцатого июля 1927 года художник умер в своей усадьбе и был похоронен на кладбище в Бехове.</p> <p>Информация взята из ресурса:&#160; <a href="http://allpainters.ru/" rel="nofollow" target="_blank">http://allpainters.ru/</a></p> mybb@mybb.ru (Андрей) Tue, 06 Aug 2013 17:45:21 +0400 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=39#p39 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=38#p38 <p>Мексиканская художница Фрида Кало родилась 1907 и умерла 1954 года. У нее было достаточно тяжелым, преисполненным страданий жизни. В детстве переболела на полиомиелит. В восемнадцать лет попала в автомобильную аварию. По тому – в страшную трамвайную. Врачи сомневались, что она выживет. Фрида долго пролежала в гипсе. Во время выздоравливания она начала писать картины. Сначала это были автопортреты. После выздоровления по оценке своего искусства пошла к знаменитому мексиканскому художнику Диего Ривери. Знакомство быстро переросло в роман, а затем и в брак... Фрида Кало прожила насыщенную жизнь. Кроме занятия живописью она увлекалась политикой. Как уже сказано, Фрида и Диего Ривера были коммунистами.</p> <p>При жизни фигура и творчество Фриды Кало не имели большую огласку. Только в восьмидесятых американские феминистки поднесли ее на щит как воплощение женской судьбы, преисполненной страданием. К славе Фриды, в частности, доложила руку поп-певица Мадонна. Именно благодаря ней цены на полотна Фриды стремительно росли. Мексиканская художница стала модной фигурой и с ней связывались самые разнообразные фантазии. Например, писали, что Фрида – это прообраз современного киборга. Мол, ее тело в результате многочисленных увечий стало сочетанием органических и неорганических элементов.</p> <p>В конце девяностых с именем Фриды Кало связывают уже не феминистские студии, и Фрида теперь изображается не как жертва обстоятельств и не как жертва своего мужчины Диего Ривери. Доказательством этого и есть лента Джулии Сеймур.</p> <p>Фильм готовили долго – многократно переписывали сценарий, долго длился поиск режиссера и студии, которая бы взялась за историю мексиканской художницы. В конечном итоге, перед творцами картины стояло трудное задание – нужно было вместить тридцать лет жизнь в два часа экранного времени. Поэтому много событий не вошло к картине, много тем были только обозначены. Авторы фильма пытались рассказать больше о внутреннем мире Фриды Кало, чем о внешних событиях ее жизни. Это важно еще и потому, что Фрида была одним из первых художников, которые откровенно демонстрировали на полотнах свои переживания.</p> <p>Кинокартина „Фрида” – это также история любви. К тому же, история любви двух непростых людей. Четырнадцатилетний брак Фриды Кало и Диего Ривери не был легким для них обоих. У нее и у него были любовники и любовницы, и она и он сгорали от ревности... Даже поговаривают, что убийство Троцкого стало местью Ривери за его роман с Фридой.</p> <p>Лента Джулии Сеймур – это еще одна яркая история о художнике, для которого искусство не было отделено от его жизни, а его жизнь – от его эпохи. Также – это рассказ о Мексике, страну в то же время праздничную, поэтическую и опасную. Поэтому и не удивительно, что именно Фрида Кало стала одним из ее символов.</p> <p>Информация взята из ресурса:&#160; <a href="http://allpainters.ru/" rel="nofollow" target="_blank">http://allpainters.ru/</a></p> mybb@mybb.ru (Андрей) Tue, 06 Aug 2013 17:44:51 +0400 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=38#p38 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=37#p37 <p>11 мая 1904 года в семье дона Сальвадора Дали и доньи Фелипи Доменеч родился мальчик, которому было назначено стать в будущем одним из наибольших гениев эпохи сюрреализма. Родители назвали его Сальвадор Фелипе Хасинто Дальше. Детство Дальше прошло в Каталонии, на северном востоке Испании, самом живописном уголке земного шара. Еще в раннем детстве, судя по поведению и страстям маленького Сальвадора можно было отметить его безудержную энергию и эксцентрическую характера. Частые капризы и истерика приводили отца Дальше в гнев, но иметь, напротив, всячески пыталась угодить любимому сыну. Она прощала ему даже самые отвратительные выходки. Как следствие, отец стал для сына воплощением зла, а иметь - символом добра.</p> <p>Талант Сальвадора к живописи проявился в достаточно юном возрасте. В четыре года он, со странными для такого маленького ребенка стараниями, пытался рисовать. Первую свою картину Сальвадор Дальше нарисовал, когда ему было 10 лет. Это был небольшой импрессионистский пейзаж, написанный на деревянной доске масляными красками. Талант гения рвался наружу. Дальше целыми днями просиживал в маленькой, специально выделенной ему комнате, рисуя картины. В местечке Фигерасе Дальше брал уроки рисунка у профессора Жоана Нуньеса.</p> <p>Под опытным руководством профессора талант юного Сальвадора приобрел свои реальные формы. Уже в 14 лет нечего было, и сомневаться в способности Дальше к рисованию. Когда Дальше исполнилось 15 лет, его выгнали из монашеской школы за плохое поведение. Но он смог успешно сдать все экзамены и вступить к институту (так в Испании называли школу, которая предоставляет законченное среднее образование). Институт в 1921 году ему удалось закончить с блестящими оценками. Дальше вступил в Мадридскую Художественную академию. В шестнадцать лет Дальше начал выкладывать свои мнения на бумаге. С этого времени живопись и литература стали равноценными частями его творческой жизни. В 1919 году в самодельном издании &quot;Студиум&quot; он публикует очерки о Веласкеса, Гойю, Ель Греко, Микеланджело и Леонардо. Принимает участие в студенческих выступлениях, за что на сутки попадает в тюрьму.</p> <p>Загадка желания </p> <p>В начале 20-х годов Дальше увлекался работами футуристов, но все-таки был преисполнен решительности создать собственный стиль в живописи. В это время у него появились новые друзья и знакомые. Среди них были такие выдающиеся и талантливые люди, как поэт Федерико Гарсиа Лорка и Луис Бонюель. Экстравагантный вид художника удивлял и шокировал рядовых мадридцев. Это приводило самого юноши в неописуемый восторг. В 1921 году умирает мать Дальше.</p> <p>В 1923 году за нарушение дисциплины он был на год отстраненный от занятий в академии. В этот период интерес Дальше был прикован к творениям большого гения кубизма Пабло Пикассо. В картинах Дальше того времени можно заметить влияние кубизма (&quot;Молодая девушка&quot; (1923)). В 1925 году с 14 по 27 ноября проходит первая персональная выставка его работ в галерее Далмау. На этой выставке были 27 картин и 5 рисунков большого гения-начинающего. Школа живописи, в которой он учился, постепенно разочаровывала его и в 1926 году Дальше покинул академию. В этом же году Сальвадор Дальше выехал к Парижу, пытаясь найти там для себя что-то по душе. Вступив к группе, которая объединилась вокруг Андре Бретона, он начал создавать свои первые сюрреалистические работы (&quot;Кровь слаще меду&quot; 1928; &quot;Светлые радости&quot; 1929). В начале 1929 года состоялась премьера фильма &quot;Андалузький пес&quot; по сценарию Сальвадора Дальше и Луиса Бунюеля. Сам сценарий был написан за шесть дней! После скандальной премьеры этого фильма был задуман еще один фильм под названием &quot;Золотой век&quot;. В 1929 году сюрреализм стал спорным вопросом, для многих - неприемлемым течением в живописи.</p> <p>Дальше и Гала </p> <p>Личная жизнь Сальвадора Дальше до 1929 года не мало ярких моментов (если только не принимать во внимание его многочисленные увлечения нереальными девочками, девушками и женщинами). Но именно в 1929 году Дальше влюбился в женщину - Елену Дьякову или Галу. В то время она была женой писателя Поля Элюара, но отношения ее с мужчиной на то время уже были прохладными. Именно эта женщина на всю жизнь, что осталось, стала музой, вдохновением гения Дальше.</p> <p>В 1930 году картины Сальвадора Дальше начали приносить ему популярность (&quot;Время, которое расплылось&quot;; &quot;Постоянство памяти&quot;). Неизменными темами его творений были разрушение, тленность, смерть и мир сексуальных переживаний человека (влияние книг Зигмунда Фрейда). В начале 30-х годов Сальвадор Дальше вступил в конфликт на политической подпочве с сюрреалистами. Его восхищение Адольфом Гитлером и монархические благосклонности расходились с идеями Бретона. Дальше порвал с сюрреалистами после того, как те обвинили его в контрреволюционной деятельности. В январе 1931 года в Лондоне состоялась премьера второго фильма Дальше - &quot;Золотой век&quot;.</p> <p>В 1934 году Гала уже рассталась со своим мужчиной, и дальше мог взять ее замуж. Странной особенностью этой семейной пары было то, что они чувствовали и понимали друг друга. Гала, в буквальном значении, жила жизнью Дальше, а он в свою очередь боготворил ее, увлекался ею. Между 1936 и 1937 годами Сальвадор Дальше пишет одну из самых известных картин &quot;Метаморфоза Нарцисса&quot;. Одновременно выходит его литературный труд под названием &quot;Метаморфозы Нарцисса. Параноидная тема&quot;. Кстати, раньше (в 1935 г.) в труде &quot;Искоренения иррационального&quot; Дальше сформулировал теорию параноидально критического метода.</p> <p>Молодая девушка </p> <p>В 1937 году Дальше посещает Италию с целью ознакомления с живописью эпохи Возрождения. После оккупации Франции немцами в 1940 году Дальше едет в США (Калифорнию), где открывает новую мастерскую. Именно там большой гений пишет, наверно, одну из наилучших своих книг &quot;Тайная жизнь Сальвадора Дальше, написанное им самим&quot;. Когда эта книга в 1942 году была выдана, она сразу вызывала критику со стороны прессы и сторонников пуританского общества.</p> <p>Со временем ностальгия за родиной берет свое и в 1948 году он возвращается в Испанию. Находясь в Порт-Льгаити Дальше обращается в своих произведениях к религиозно фантастической тематике. В 1953 году проходит большая ретроспективная выставка Сальвадора Дальше в Риме. На ней представлены 24 картины, 27 рисунков и 102 акварели. Раньше в 1951 году, в канун холодной войны, Дальше разрабатывает теорию &quot;атомарного искусства&quot;, опубликованную в этом же году в &quot;Мистическом манифесте&quot;. Дальше ставит перед собой мету донести к зрителю идею о постоянстве духовного бытия даже после исчезновения материи (&quot;Председатель Рафаэля, который отрывается&quot;, 1951). В 1959 году Дальше и Гала обустроили свой дом в Порт-Льгаити. На то время уже никто не мог сомневаться в гениальности большого художника. Его картины покупались за огромные деньги почитателями и любителями роскоши. Огромные полотна, написанные Дальше в 60-х годах, оценивались в огромные суммы. У многих миллионеров считалось шиком иметь в коллекции картины Сальвадора Дальше.</p> <p>В конце 60-х годов отношения между Дальше и Галой стали прохладными. И по просьбе Галы, Дальше вынужденный купить ей замок, где она много времени проводила в обществе молодых мужчин. Последующие годы их общей жизни напоминали собой теплящиеся угольки.</p> <p>В 1973 году в Фигуераси был открыт &quot;Музей Дальше&quot;. Это несравненное сюрреалистическое творение и в настоящее время приводит в восторг посетителей. Музей является ретроспективой жизни большого художника. Ближе до 80-х годов в Дальше начались проблемы со здоровьем. Смерть Франка ошеломила и испугала Дальше. Будучи патриотом, он не мог спокойно переживать изменения в судьбе Испании. Врачи подозревали в Дальше болезнь Паркинсона. Эта болезнь когда-то стала смертельной для его отца. 10 июня 1982 года умерла Гала.</p> <p>Хотя их отношения нельзя было назвать близкими, Дальше воспринял ее смерть как ужасный удар. В конце 1983 года его настроение, как казалось, немного улучшилось. Он начал иногда прогуливаться по садику, писать картины. Но это длилось, к сожалению, не долго. Старость брала верх над гениальным умом. 30 августа 1984 года в доме Дальше произошел пожар. Ожоги на теле художника занимали 18% кожи. В феврале 1985 года состояние Дальше несколько улучшилось, и он смог дать интервью наибольшей испанской газете &quot;Паис&quot;.</p> <p>Но в ноябре 1988 года Дальше положили в клинику с диагнозом &quot;сердечная недостаточность&quot;. Сердце Сальвадора Дальше остановилось 23 января 1989 года. Его тело забальзамировали, по его просьбе, и в течение недели он лежал в музее в Фигуераси. Тысячи людей приехали, чтобы попрощаться с большим гением.</p> <p>Сальвадора Дальше похоронили в центре музея его имени под ничем не обозначенной плитой. Жизнь этого человека была яркой и гениальной. Сальвадора Дальше можно смело назвать неповторимым наибольшим гением сюрреализма ХХ век!</p> <p>Информация взята из ресурса:&#160; <a href="http://allpainters.ru/" rel="nofollow" target="_blank">http://allpainters.ru/</a></p> mybb@mybb.ru (Андрей) Tue, 06 Aug 2013 17:44:21 +0400 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=37#p37 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=36#p36 <p>Руфин Гавриилович Судковский, выдающийся живописец-маринист, родился в 1850 году в г. Очакове. Картины бескрайних морских пространств, необъятных степных далей, яркого солнечного неба, с детства пробудили в нем душу художника.</p> <p>Увлекшись рисованием и, чувствуя пылкое влеченье к нему, Р.Г. Судковский поступает в Одесскую рисувальної школу. В 1868-1873 годах он учится в Петербуржской Академии искусств, позже совершенствует свое мастерство за рубежом. В первые же годы учебы в Академии этюды Судковского были отмечены серебряными медалями. 3 годами растет профессиональное мастерство художника в жанре рисунка, композиции. Он хочет реалистичного изображения и поэтического раскрытия сюжета. Учитывая успехи молодого художника, совет Академии искусств присвоил ему в 1882 году звания академика живописи за картину &quot;Буря около Очакова&quot;.</p> <p>Творческая деятельность Судковского в основном проходила в г. Очакове. Поэтому большинство произведений он посвящает природе родного края, которую хорошо чувствовал и мог искусно и убедительно передать ее разнообразное состояние: жизнь и труд рыбалок, преисполненный тревог, мужества, постоянного риска; море, которое отображает и в бурю, когда с большой силой прибой налетает на берег (&quot;Морской прибой&quot;), и в штиль, когда водная гладь застигает, языков огромное зеркало (&quot;Морской залив. Штиль&quot;). Море в полотнах Р. Судковского одухотворено, кисть художника улавливает незаметные изменения, самые нежные отблески солнца на воде, даже шуршание волн переносит он на полотно.</p> <p>Произведения живописца поражают не только глубоким знанием моря, они прекрасны своей поэтической возбужденностью.</p> <p>Искренним лиризмом очаровывают картины &quot;Закат солнца на море&quot; (в 1874 г.), &quot;Лунная ночь на Черном море&quot;. Эти полотна, преисполненные высокой поэзии, в них хорошо передано ощущение величия покоя тишины, утверждения живой красоты природы. Картина &quot;Одесса&quot; (в 1876 г.) привлекает внимание точностью техники исполнения, поэтическим рисунком. В ней художнику живописными приемами удалось воспроизвести пространство, прозрачность воздуха. Зрелым мастерством отмечается полотно &quot;Прозрачная вода&quot; (в 1881 г.), где изображено то редкое состояние моря, когда только у берега колеблются едва заметные волны, а вода настолько прозрачна, что видно все камни на дне. Любимым сюжетом Г.</p> <p>Судковского было бурное море. В суровой простоте содержания картины &quot;Пароход &quot;Москва&quot; в бурю&quot; (в 1884 г.) художник реалистично раскрывает грозную силу и могущество морской стихии. Произведение, преисполненное глубокой внутренней динамики, в безумной круговерти сталкиваются темно-зеленые волны, тяжелые серые тучи подчеркивают напряженность и тревогу в природе.</p> <p>Искренние и непосредственные живописные полотна Судковского лишены внешней эффектности. Их жизненность, обусловленная тем, что художник не выдумывал сюжеты, - объектом его увлечений всегда была конкретная натура. Произведения Руфина Гаврииловича Судковского снискали широкое признание еще при жизни художника, они говорят о большой одаренности мастера, целостности его натуры, целенаправленности, и працелюбство. I.К. Айвазовский признавал в нем талантливого мариниста, имя которого крепко вошло в историю российской живописи.</p> <p>Имя художника Руфина Судковского стоит среди имен лучших российских пейзажистов II половин XIX века. К сожалению, внезапная болезнь оборвала его жизнь на тридцать пятом году (в 1885 г.).</p> <p>Пока еще достоверно не известно, какое творческое наследство Р.Г. Судковского, но предусматривается, что мастер оставил после себя около трехсот живописных работ. Много из них в настоящий момент экспонируются в разных музеях страны, за рубежом, находятся в частных коллекциях.</p> <p>В Очаковском доме Судковских, который сохранился доныне (в настоящее время ул. Энгельса, 4), по инициативе брата художника, Алексея, бережно сохранялись картины брата. Там была устроена галерея, куда как поощрения интилегентные семьи водили детей. Благодаря Алексею коллекция сохранилась в тяжелые годы революций и гражданской войны. Он долго хлопотал о создании музея на родине художника, но, не добившись этого, передал картины Николаевскому художественному музею им. В.В. Верещагина. Отданным почитателем таланта Судковского до конца осталась его жена Елена. Сама художница, которая училась в Париже, в искусстве она была верным единомышленником Руфина, настоящим ценителем его полотен. Желая подбить определенный итог его творчества, немало сил отдала организации посмертной выставки живописца в Петербуржской Академии искусств, а впоследствии провела еще ряд выставок. Свою горячую любовь к мужчине Елена увековечила в памятнике, сделанном по ее проекту. Он установлен на могиле Р.Г. Судковского в Очакове в 1887 году.</p> <p>Информация взята из ресурса:&#160; <a href="http://allpainters.ru/" rel="nofollow" target="_blank">http://allpainters.ru/</a></p> mybb@mybb.ru (Андрей) Tue, 06 Aug 2013 17:43:41 +0400 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=36#p36 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=35#p35 <p>Среди титанов Возрождение одно из первых мест по праву принадлежит Леонардо да Винчи. Сила его ума его гениальные научные предсказания, его замечательные технические изобретения, наконец, его большое реалистичное искусство - все это валило в удивление уже людей Ренессанса, склонных воспринимать Леонардо как живое воплощение того идеала всесторонне розвитий личности, о котором мечтали лучшие из мыслителей и писателей XV- XVI веков. </p> <p>Как художник Леонардо да Винчи стоит на грани двух эпохи – раннего и высокого Возрождения. Он подытоживает богатый художественный опыт XV века, и он закладывает основу для искусства XVI века. Леонардо ставит себе целью дать объективное отображение действительности. Но эту действительность он воспринимает уже по-другому. Он ищет обобщенной формы, типичных решений, ясного художественного языка. Его уже не удовлетворяет аналитический реализм XV века, в котором интерес к детали нередко затемнял главное. </p> <p>Его интересуют новая задача - усовершенствования психологических средств выражения и более глубокое раскрытие внутреннего мира человека, упрощения композиционного строя, ради достижения большей монументальности, использования светотени, с целью усиления жизненности образов, разработка реалистичного творческого метода и подведение под его прочного теоретического основания. </p> <p>Реалист в науке, Леонардо остается реалистом и в искусстве. Но его реализм знаменует более высокую ступни развития. И поскольку для Леонардо процесс художественного обобщения является процессом глубоко сознательным, постольку он выступает прямым предшественником всех больших мастеров высокого Возрождения. </p> <p>Особенность творчества Леонардо да Винчи </p> <p>Художественное наследство Леонардо да Винчи количественно небольшое. Высказывалась мысль, что его захваты естественной наукой и инженерным делом помешали его плодотворности в искусстве. Однако анонимный биограф, его современник, указывает, что Леонардо «имел замечательные замыслы, но создал немного вещь в краске, потому что, как говорят, никогда не был доволен собой». Это подтверждает и Вазари, в соответствии с которым препятствия лежали в самой душе Леонардо – «наибольшая и самая необычная, именно она побуждала его искать преимущества над совершенством, так что каждое произведение его замедлялось от избытка желаний». </p> <p>Леонардо сложился как художник так, вероятно, в значительной мере и как ученый в мастерской Верроккио. Ранние рисунки и картина Леонардо ясно показывают, какой замечательной школой реалистичного искусства была ренессансная мастерская. Здесь все делались для того, чтобы научить из раннего лет правильно рисовать и помочь овладеть реалистичным методом. </p> <p>Рисунки Леонардо 70-х лет свидетельствуют о пристальном и внимательном изучении молодым художником натуры. Он зарисовывает лица, которые понравились йому, пейзажи, растения, фигуру животных, она без усталости делает самые подробные этюды драпирований, добиваясь максимальной рельефности в передаче складки, он выполняет поражающие уже на этом раннем этапе своей зрелостью композиционные наброски для картины. Природа во всех своих разнообразных проявлениях уладно волоче его к себе. Он склоняется перед ее странной красотой и совершенством, перед бесконечной разнообразностью ее формы. </p> <p>В течение 70-х лет Леонардо выполнил ряд картины, относительно которой доныне идут горячие споры в науке. В мастерской Верроккио применялась совместная работа учителя и учеников над тем же произведением; в связи с этим, естественно, возникают большие сложности при распознавании отдельных художественных почерков. Несколько лет назад наука все-таки склонилась до того, чтобы приписать молодому Леонардо два вещи, которые чаще всего связывали с именем Верроккио. Это «Благовещение» и «Портрет Джиневри где Бенчи». В обоих этой работе Леонардо выступает перед нами еще как типичный мастер XV века, который отдает преимущество подробности перед целым. </p> <p>Уже первый флорентийский период деятельности Леонардо, по окончании учебы в Верроккио, отмеченный его попыткой обнаружить свои дарования на многих поприщах: архитектурные чертежи, проект канала, который соединяет Пизу с Флоренцией, рисунки мельницы, сукновальной машины и снарядов, которые приводятся в движение силой воды. К этому же периоду относится его маленькая картина «Мадонна с цветком». </p> <p>Когда Леонардо писал ее, ему было двадцать шесть лет. До этого времени художник нашел уже сделанное мастерство в большом искусстве живописи, что он ставил выше всех других. </p> <p>«Мадонна с цветком» – это хронологически первая мадонна, образ которой внутренне лишен какой-либо святости. Перед нами всего лишь юная мать, которая играет со своим ребенком. Вечная заманчивость и поэзия материнства. В этом бесконечное очаровывание картины. </p> <p>Среди всех искусств Леонардо ставит на первое место живопись. Потому что, указывает он, живописец является «обладателем всякого рода людей и всей вещи». Это – непреодолимое свидетельство глубокой убежденности одного из наибольших живописцев, которые хоть когда-то жилы в мире, в величии и все покоряющий силе своего искусства. </p> <p>Информация взята из ресурса:&#160; <a href="http://allpainters.ru/" rel="nofollow" target="_blank">http://allpainters.ru/</a></p> mybb@mybb.ru (Андрей) Tue, 06 Aug 2013 17:43:06 +0400 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=35#p35 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=34#p34 <p>Русский художник-пейзажист, которого называли &quot;лесным богатырем-художником&quot;, &quot;стариком-лесником&quot; и &quot;царем леса&quot;. Его популярность - при всей общественной нейтральности пейзажного жанра - поистине легендарная. Еще в начале творческого пути Иван Шишкин записал в свой альбом, что самым &quot;главным для пейзажиста является старательное изучение натуры&quot;. Он никогда не изменял этому принципу. Шишкин много путешествовал по России, изучая ее природу. Его “художественной стихией” был лес, преимущественно северный, с его елью, сосной, березой и дубами.</p> <p>Начало художественной карьеры</p> <p>Иван Иванович Шишкин родился в январе 1832 года в провинциальном местечке Елабуги. Отец его, небогатый купец, был большим ревнителем древности. Стремясь привить сыну, интерес к истории, он привлекал его к археологической раскопке древнего Болгарского царства на Волге. В 1844 году отец отдал мальчика в казанскую гимназию, там будущий художник вскоре нашел товарищей, с которыми &quot;мог рисовать и раздумывать&quot; об искусстве. Однако уклад гимназии, по словам самого Шишкина, препятствовал его стремлениям и склонности, и он после летних каникул 1848 года не вернулся в гимназию, &quot;чтобы не стать чиновником&quot;. </p> <p>В 1852 году Иван Шишкин вступает в Московское училище живописи и лепки, получает красивую подготовку под руководством А.Н. Мокрицкого. В 1856-1860 годах продолжает учебу в Петербуржской Академии искусств в С.М. Воробьева. Успехи молодого художника, отмеченные золотой и серебряной медалью, подтверждают отзыв его прежнего наставника Мокрицкого в связи со вступлением Шишкина в Академию: &quot;Потерялись мы отличного и одаренного ученика, но надеемся увидеть в нем впоследствии отличного художника, если он с той же любовью будет заниматься в Академии&quot;. Стремление к &quot;верности, подобию, портрету изображаемой природы&quot; проявляется уже в ранней работе &quot;Вид на околице Петербурга&quot; (1856, Государственный Русский музей, Москва). </p> <p>Заграничная поездка</p> <p>В 1858-1859 годах Шишкин часто бывает на Валааме, суровая, величественная природа которого ассоциировалась у юноши с природой родного приуралья. В 1860 году за два Валаамских пейзажи художник получает Большую золотую медаль и право на заграничную командировку. Однако он не спешит за границу и весной в 1861 году отправляется в Елабугу, где много пишет на природе, &quot;от которой только может быть существенная польза для пейзажиста&quot;. </p> <p>За границу Шишкин едет в 1862 году. Берлин и Дрезден не произвели на его особенного впечатления: отражалась и тоска за родиной (&quot;чего я не в России, которую так люблю?..&quot;). Повеселел Иван Иванович лишь в Праге, где &quot;встречался со многими чехами; народ прекрасен и охотно говорят русским языком&quot;. Он увлекается рисунками &quot;славянских типов&quot; большого чешского реалиста 60-х лет прошлого века Йозефа Манеса. В 1863 году в Цюрихе Шишкин посещает мастерскую живописца и гравера Г. Коллера, где знакомится с техникой офорта. </p> <p>Горные пейзажи Швейцарии оставили художника безразличным; вскоре вместе с воспитанниками Академии Л.Л. Каменевым и Есть Е. Дюкером Шишкин начинает работать в Тевтобургском лесу около Дюссельдорфа. Выполненные пером рисунки привлекли внимание многочисленных ценителей искусства. Сам художник вспоминал об этом: </p> <p>&quot;Где и куда не пойдешь, везде показывают - пошел вот этот россиянин, даже в магазинах спрашивают, не вы ли тот россиянин Шишкин, который так замечательно рисует&quot;.</p> <p>Признание на родине</p> <p>В 1865 году Иван Иванович возвращается в Россию и за картину &quot;Вид на околице Дюссельдорфа&quot; (1865, Государственный Русский музей) получает звание академика. Шишкин быстро входит в круг интересов отечественной художественной жизни, бывает на четвергах Артели художников. </p> <p>&quot;Громче всех, - вспоминает Репин, - раздавался голос богатыря Ивана Шишкина; как зеленый могучий лес он заражал всех здоровьем, весельем, красивым аппетитом и правдивым русским языком. Немало нарисовал он пером на этих вечерах замечательных рисунков. Публика, бывало, ойкала за его спиной, когда он своей могучей лапой и корявыми от работы пальцами начнет затирать свой блестящий рисунок, а рисунок точно чудом или волшебством которым от такого грубого поведения автора выходят утонченными и блестящими&quot;.</p> <p>Произведения Шишкина &quot;Рубка леса&quot; (1867, Государственный Русский музей), &quot;При закате&quot; (1869, Государственный Русский музей), &quot;Полдень на околице Москвы&quot; (1869, Государственный Русский музей), где раскрывается особенность национального пейзажа, отвечали направлению, которое развивалось впоследствии Обществом передвижной художественной выставки. Вместе с И.М. Крамским, В.Г. Перовым, Г.Г. Мясоедовым, А.К. Саврасовым, Н.Н. Ге и другими в 1870 году Шишкин становится членом-основателем Общества. Иван Николаевич Крамской высоко ценил искусство художника, вплоть до того, который предоставлял свою мастерскую для работы над конкурсной картиной &quot;Мачтовый лес в Вятский губернии&quot; (1872, эта картина за названием &quot;Сосновый бор&quot; находится в Государственный Третьяковский галереи, Москва). Крамской писал о достоинствах Шишкина: </p> <p>&quot;Иван Шишкин нас просто удивляет своими познаниями... И когда он перед натурой, то точно в своей стихии, здесь он и смелый, и ловкий, не задумывается, как, что и почему... здесь он все знает, я думаю, что это единственный у нас человек, который знает природу ученым образом... Шишкин - верстный столб в развитии русского пейзажа, это человек-школа&quot;.</p> <p>Известная работа</p> <p>На вторую выставку передвижников художник представил картину &quot;Лесная глухомань&quot; (1872, Государственный Русский музей), за которую в 1873 году получил звание профессора Петербуржской Академии искусств. Лесная темная чаща вызывает у зрителя некоторый трепет, словно он оказывается в действительности один в этом жутковатом для человека месте. И как настоящий лес, этот пейзаж открывается зрителю не сразу. Полный детали, он рассчитан на длинное рассматривание: вдруг врасплох замечаешь лису и утку. Где-то в глубине картины, среди худосочных деревьев видный слабый солнечный просвет, такое впечатление, что можно почувствовать влажность воздуха, влажность мхов, проникнуться этой атмосферой. За иллюзорную выресованность детали Шишкина часто упрекали. Многие художники находили живопись Ивана Шишкина неживописной, называли его картину раскрашенным рисунком. Однако картина мастера, при всей их детализации, всегда дает целостный образ. </p> <p>Полная раздолья, солнца, света, воздух известная картина &quot;Рожь&quot; (1878, Государственная Третьяковская галерея). Она словно синтезирует черту характера русской природы, то родное, значительное, что видел в ней Шишкин: &quot;Раздолье. Пространство. Угодье, рожь. Божья благодать. Русское богатство...&quot; </p> <p>Поэтическим чувством перенятое полотно &quot;Среди долины ровныя&quot; (1883, Государственный музей русского искусства, Киев), в нем соединяются величие и задушевная лирика. Названием картины стала строка из стихотворения А.Ф. Мерзлякова, известные как народная песня. Но картина не является иллюстрацией стихотворений. Ощущение русского раздолья рожает образный строй самого полотна. Свободная, незамкнутая композиция картины вызывает радостное ощущение в дежурстве освещенных и затемненных пространств, в сохлых стеблях, в величественном дубе, который поднимается среди равнины. </p> <p>Информация взята из ресурса:&#160; <a href="http://allpainters.ru/" rel="nofollow" target="_blank">http://allpainters.ru/</a></p> mybb@mybb.ru (Андрей) Tue, 06 Aug 2013 17:41:26 +0400 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=34#p34 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=33#p33 <p>Творчество Рембрандта Харменса ван Рейна (1606–1669) знаменует наивысший расцвет голандского искусства XVII века и одну из вершин мирового искусства вообще. Демократическое и истинно гуманное, перенятое горячей верой в торжество справедливых жизненных начал, оно воплотило в себе сами передовые и жизнеутверждающие идеи в свое время. Художник поднял изобразительное искусство на новую степень, обогатив его небывалой жизненностью и психологической глубиной. Рембрандт создал новый живописный язык, в котором главную роль играли тонко разработанные приемы светотени и насыщенный, эмоционально напряжен колорит. Духовная жизнь человека стала отныне доступна изображению средствами реалистичного искусства.</p> <p>Рембрандт выступил новатором во многих жанрах. Как портретист, он стал творцом своеобразного жанра портрету-биографии, где долгая жизнь человека и его внутренний мир раскрывались во всей своей сложности и противоречивости. Как исторический живописец, он превратил далекие античные и библейские легенды в согретую высоким гуманизмом рассказ о реальных земных человеческих чувствах и отношениях.</p> <p>Середина 1630-х годов – время наибольшей близости Рембрандта до общеевропейского стиля барокко, пышного и громкого, насыщенного театральным пафосом и бурным движением, контрастами света и тени, противоречивым соседством натуралистических и декоративных моментов, чувственности и жестокости.</p> <p>В барочный период написано «Снятие из креста» (1634). Картина иллюстрирует евангельскую легенду о том, как Иосиф Аримафейский, Никодим и другие ученики, и близкие Христа, получив разрешение Пилата</p> <p>сняли ночью тело Христа, завернули его в богатую плащаницу и похоронили. Легенда рассказана Рембрандтом с ошеломляющей жизненной правдой. Трагическая смерть учителя и сына принесла участникам события глубокое горе. Художник всматривается в лицо, пытаясь проникнуть в душе людей, прочитать реакцию каждого на то, которое происходит. Взволнованно передает он обморок Марии, матери Христа, плач и стоны женщин, страдания, и скорбь мужчин, испуг и любопытство подростков.</p> <p>В этом произведении Рембрандт отталкивался от известной картины Рубенса того же названия, используя отдельные композиционные мотивы большого фламандца и стремясь превзойти его в выражении искренних движений героев.</p> <p>Другим важным достижением этой картины, рядом с индивидуализацией чувств действующих лиц, появилось использование света для достижения целостности многофигурной композиции. Три главных момента легенды – снятие из креста, обморок Марии и розстеляння плащаницы – освещены тремя разными источниками света, интенсивность которых убывает согласно уменьшению значения сцены.</p> <p>Начало нового периода в жизни и творческой деятельности мастера было отмечено двумя важными событиями, которые состоялись в 1642 году: преждевременной смертью Саскии, горячо любимой жены, которая оставила ему однолетнего сына, и созданием картины «Ночной дозор» – большого группового портрета амстердамских стрелков, самого известного произведения мастера.</p> <p>Семейная трагедия и завершение ответственного заказа поставили Рембрандта перед сложными проблемами личной и творческой жизни. Художник выходит из этого кризиса еще более возмужалым и наученным. Его искусство становится серьезнее, более собранно и глубже, а главное, в нем все более четко проступает интерес к внутренней жизни человека, до того, которое делается в его душе.</p> <p>В тесной связи с эволюцией творчества Рембрандта в 1640-ые годы стоит рассматривать и одно из самых главных произведений художника – «Данаю», хотя на картине стоит дата 1636. На создание обида Данаи, легендарной греческой царевны, заточенной своим отцом, во избежание предсказанной ему гибели от руки внука, Рембрандта, вдохновила его первая любовь – Саския. Но через десять лет, как показали новейшие исследования, художник, неудовлетворенный первобытным решением, существенно переделывает образ главной героини. Моделью для окончательного варианта картины послужила ему, очевидно, Гертье Диркс, молодая вдова, которая поселилась в доме Рембрандта после смерти Саскии сначала как няня однолетнего Титуса, а затем и на правах полной хозяйки. Таким образом, председатель, правая рука, и в значительной мере тело Данаи, которое ожидает в своей темнице любимого (по легенде, влюбленный в Данаю Зевс проникнув к ней в виде золотого дождя), а также фигура бабы-служанки, оказались написанными заново, в смелой широкой манере середины и второй половины 1640-х годов. Почти все другие детали картины остались такими, которыми были написаны в 1636 году, характерным для предыдущего периода аккуратным мазком.</p> <p>Значительным изменениям поддался и колорит картины. В первобытном варианте господствовали холодные тона, типові для середины 1630-х годов. Заменив золотой дождь первого варианта золотым светом, который как бы предсказывает появление влюбленного бога, Рембрандт выполняет теперь центральную часть картины в теплом тоне с золотистой охрой и красной киноварью как доминанты.</p> <p>Во втором варианте, то есть в 1646–1647 годах, Даная получила и углубляющую психологическую характеристику, благодаря которой раскрылся тайный внутренний мир женщины, вся сложная и противоречивая гама ее чувств и переживаний. «Даная», таким образом, – наглядный конкретный пример становления знаменитого рембрантовского психологизма.</p> <p>Творчество Рембрандта 1650-х годов отмечено в первую очередь достижениями в области портрету. Внешне портреты этого периода отличаются, как правило, большим размером, монументальными формами. спокойными позами. Модели обычно сидят в глубоких креслах, положив на колени руки и вернувшись прямо к зрителю. Светом выделены лицо и кисти рук. Это всегда летние, наученные длинным жизненным опытом люди – старые и бабы с печатью невеселых дум па лицах и нелегкого труда на руках. Подобные модели давали художнику блестящие возможности показать не только внешние приметы преклонных лет, но и духовный вид человека. В собраниях Эрмитажа эти работы хорошо представлены незаказанными портретами: «Старик в красном», «Портрет бабушки» и «Портрет старого еврея».</p> <p>Мы не знаем имя человека, что послужили моделью для портрета «Старик в красном». Рембрандт писал его дважды: в портрете 1652 года (Национальная галерея, Лондон), он изображен сидячим в кресле с подлокотниками, в глубокой задумчивости склонившим председателя на правую руку; эрмитажный вариант трактует ту же тему – человек наедине со своими думами. В этот раз художник применяет строго симметричную композицию, изображая неподвижно сидячего старого в фас. Но тем заметнее движение мысли, едва уловимое изменение выражения лица: оно кажется то суровым, то более мягким, то уставшим, то вдруг осеняемым приливом внутренней силы и энергии. То же происходит и с руками: они кажутся то судорожно сжатыми, то лежащими обессилено. Художник достигает этого в первую очередь благодаря блестящему мастерству светотени, что в зависимости от ее силы и контрастности вносит в изображение элегическую расслабленность или драматичное напряжение. Огромную роль играет при этом и манера нанесения краски на полотно. Порыто морщинами лица старого и узловатые натруженные руки находят художественную выразительность благодаря грузлому месиву красок, в котором жирные мазки, которые переплетаются, передают структуру формы, а тонкие лессировки добавляют ей движение и жизнь.</p> <p>Безымянный старик в красном с подчеркнутым достоинством, силой духу и воспитанностью стал выражениям новой этической позиции художника, который открыл, что ценность личности не зависит от официального положения человека в обществе.</p> <p>К середине 1660-х годов Рембрандт завершает свое самое проницательное творение – «Возвращение блудного сына». Его можно рассматривать как завещание Рембрандта-человека и Рембрандта-художника. Именно здесь идея всепрощающей любви к человеку, к униженным и стражденних – идея, которой Рембрандт служил всю свою жизнь, – находит наивысший, самое совершенное воплощение. И именно в этом произведении мы встречаемся со всем богатством и разнообразностью живописных и технических приемов, что произвел художник за длинные десятилетия творчества.</p> <p>Оборванный, обессиленный и больной, покинутый друзьями, появляется сын на пороге родительского дома и здесь, в объятиях отца, находит прощение и утешение. Безмерная светлая радость этих двух – старого, что потерял всякие надежды на встречу с сыном, и сына, охваченного стыдом и раскаянием, которое прячет лицо на груди отца, – составляет главное эмоциональное содержание шедевру. Мовчучи, пораженные, застигли непроизвольные свидетели этой сцены.</p> <p>Художник предельно ограничивает себя в цвете. В картине доминируют золотисто охристые, киноварно-красные и черно коричневые тона при бесконечном богатстве самых тонких переходов внутри этой скупой гами. В нанесении красок на полотно принимают участие и кисть, и шпатель, и черешок кисти; но и это Рембрандту кажется недостаточным – он наносит краски на полотно непосредственно пальцем (так написанная, например, пятка левой ноги блудного сына). Благодаря разнообразности приемов достигается повышенная вибрация красочной поверхности – краски то горят, то блестят, то глухо теплятся, то как бы светятся изнутри, и ни одна деталь, ни один, даже самый незначительный, уголок полотна не оставляет зрителя безразличным.</p> <p>Только научен огромным жизненным опытом человек и большой художник мог создать этот гениальный и простой шедевр.</p> <p>В «Возвращении блудного сына» ничего не происходит и ничего не произносится – все были сказаны, передумал, выстрадано очень давно, в годы длинного ожидания, но есть радость встречи, тихой и светлой...</p> <p>«Возвращение блудного сына» было последним большим достижением мастера. В 1669 году Рембрандт умер.</p> <p> Информация взята из ресурса:&#160; <a href="http://allpainters.ru/" rel="nofollow" target="_blank">http://allpainters.ru/</a></p> mybb@mybb.ru (Андрей) Tue, 06 Aug 2013 17:40:46 +0400 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=33#p33 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=32#p32 <p>Рафаэль - его правильно следовало называть Рафаелло Санти - родился 6 апреля 1483 года в Урбино, маленьком горном городе области Маркие, что принадлежал герцогам Ментефельтро. Его отец Джовани Санти был придворным живописцем и поэтом. Насколько можно судить по его произведениям, он был посредственным художником, а его поэтические таланты были еще более скромны. Будучи человеком весьма образованным, он сумел вселить сыну любовь к искусству и изложил ему первые практические уроки живописи. Но эти занятия были непродолжительными поскольку Джовани Санти умер, когда Рафаэлю было одиннадцать лет; за три года до этого он потерял мать. Связки отца при дворе помогли мальчику продлить учебу, и когда он начал пользоваться популярностью семья урбинского герцога оказывала ему поддержку.</p> <p>По началу Рафаэль учился у местных художников - Еванджелиста и Пьяндимелето и Тимотео Вити. Но став уже достаточно самостоятельным живописцем, он в 1500 году переезжает в Перуджу и поступает в мастерскую умбрийского мастера, который выразил наиболее полно сладкий и лирический идеал красота, которой осеняется умбрийская школа живописи, П.Перуджино1.</p> <p>Юный Рафаэль наследует учителю, в своих произведениях, но нам выразительные зачатки какого-то нового идеала. Его манера рисования отличается большой изысканностью, особенной легкостью и плавностью ведения линии, оставляя округлые контуры и легкую вуаль штриховки. Делая сначала едва заметный очерк металлическим штифтом или углем, а уже потом рисует пэром таким образом избегая исправлений. В легких, стройных фигурах ангелов, нежно мечтательных лицах святых и милых девичьих обидах - все проникнуто поэзией какой-то волшебной игры, прозрачной бред и искренней задушевности.</p> <p>Среди первых картин Рафаэля, отмеченных печатью робкого ученичества, одна, в которой яснее выраженные его умбрийские впечатление и устремление его собственного художественного идеала. Это - &quot;Мадонна Конестабиле&quot;, написанная им уже после отъезда из Умбрино, но еще мало связанная с последующим подчинением стиля Перуджино. Грустные воспоминания о рано умершую матери, чарующие картины родных мест злились здесь в единственный гармоничный образ, чистую нежную мелодию наивного, но искреннего поэтического ощущения. Этта маленькая картина владеет, однако, той целостностью воплощения замысла, которая станет отличительной особенностью всего творчества Рафаэля.</p> <p>Флоренция, куда он приезжает в конце 1504 года, уже самостоятельным мастером, чтобы добровольно продолжать свое ученичество в этой высшей художественной школе всей Италии, становится следующий этапом, его деятельности, что сыграл огромную роль в творческом становлении Рафаэля.</p> <p>Первостепенное значение для него мало знакомство с методом Леонардо да Винчи. Вслед за Леонардо он начинает много работать из натуры, изучает анатомию, механику движений, сложные позы и ракурсы, ищет компактные, ритмично сбалансированные, композиционные формулы. В последних флорентийских работах Рафаэля («Положение в гроб», 1507, галерея Боргезе, Рим; «Св. Екатерина Александрийска», ок. 1507-08, Национальная галерея, Лондон) появляется интерес к сложным формулам драматично взволнованного движения, разработанным Микеланджело.</p> <p>Рафаэль владел чудодейной способностью учиться и творить одновременно. Он не уставал учиться у более опытных художников потому, что было нужно для развития его собственного мастерства. Он самостоятельно изучает работы видных флорентийских мастеров XV века. Четыре года, проведенного в Флоренции, были для него годами напряженного усовершенствования. Это были плодотворные годы с очень большим количеством заказов. Особенно большую популярность он приобрел благодаря своим &quot;мадоннам&quot;. Он становится более земным и человечным, более сложным в передаче нюансов живого ощущения.</p> <p>За флорентийские годы Рафаель написал не менее пятнадцати картин с изображением мадонн - маленьких и больших, развивающих интимно жанровые и монументальные мотивы. Никогда не повторяясь он искал все новые и новые художественные решения. В его подготовительных рисунках тех лет сохранилось множество очерков, почти каждый из них мог бы стать эскизом для новой картины. Фантазия Рафаэля была неисчерпаемой.</p> <p>В эти же годы Рафаэль испытал себя и в новом для него жанре - портретной живописи.</p> <p>При всех решительных изменениях в художественной манере Рафаэля основное направление его творчества в флорентийский период долгое время сохранялось без изменений. Он был художником-лириком в провинциальной Умбрии, таким же он оставался и в Флоренции, где его больше всего ценили как мастера &quot;мадонн&quot;. Но чем глубже проникался он идеалами флорентийского искусства, тем сильнее зрелая в нем потребность выразить себя в формах мужественных и драматичных.</p> <p>В 1504 году он получает заказ на картину &quot;Оплакивания Христа&quot;, которую он сначала допускал писать в традициях Перуджино и даже выполнил несколько эскизов. Но оставил этот замысел, а когда в 1507 году вернулся к нему, то начал разрабатывать его как тему драматичную - &quot;Положение в гроб&quot;.</p> <p>Переход от тихих &quot;мадонн&quot; к напряженной динамике &quot;Положения&quot; от простых построений к многофигурной композиции оказался очень резким, и не все в новой картине Рафаэля было безукоризненным, не все обиды - одинаково выразительными.</p> <p>До конца пребывания Рафаэля в Флоренции в его искусстве все заметнее отражается притяжение к монументально героической выразительности образов. Сравнение картин &quot;Обручения Марии&quot; (1504) и &quot;Положения в гроб&quot; (1507) дает представление о стремительной эволюции Рафаэля к зрелому классическому стилю.</p> <p>Причина и точное время переезда Рафаэля к Риму не имеют прямых документальных подтверждений. Осенью в 1507 году он на некоторое время едет в Урбино, весной 1508 года он все еще находится в Флоренции, а в январе 1509 года имя его впервые вспоминается в документах в связи с работой в Ватикане. Следует по этому считать, что он приехал в Рим не позже конца 1508 года. Можно также допустить, что он прибыл в Рим, как за несколько лет до того - в Флоренцию, с рекомендациями из Урбино. Это тем более вероятно, если учесть, что новый урбинский герцог, Франческо Мария делла Ровере, был племянником папы Юлия II. Наконец, приглашению Рафаэля мог способствовать и его земляк, всесильный папский архитектор Браманте, который работал над перестройкой и украшением Ватикана.</p> <p>Здесь 26-летний Рафаэль получает поручение расписать парадные покои Ватиканского дворца. По-видимому, на первых порах участие Рафаэля в росписи так называемых &quot;станц&quot; Ватиканского дворца было достаточно скромным, потому что здесь уже работали другие, более известные мастера (Браманте, Микеланджело). Но сделано им так понравилось Юлию II, что тот со свойственной ему грубой решительностью приказал фрески, уже написанные другими живописцами или что существовали там еще раньше, сбить, а всю декорацию комнат поручить одному Рафаэлю. Работа, начатая им в конце 1508 года, длительна девять лет: сначала была расписана средняя из трех &quot;станц&quot; - &quot;Станца делла Сеньятура&quot; (1508-1511), потом &quot;Станца д‘Элиодоро&quot; (1511-1514) и в заключение - &quot;Станца дель Инчендио&quot; (1515-1517). На то время, когда приступили к росписи третей &quot;станцы&quot;, Рафаэль был настолько занят другими заказами, что мог только наблюдать за работой своих учеников, которые выполнили все фрески. Маловыразительные, эти композиции решительно уступали фрескам два первых &quot;станц&quot;, написанным Рафаэлем собственноручно или при его непосредственном участии.</p> <p>Рафаэль выступает как художник-гуманист, как выразитель светского и реалистичного мировоззрения эпохи Возрождения.</p> <p>Последние годы своей жизни Рафаэль стал признанным главой всей римской художественной школы. Даже с помощью многочисленный учеников он не успевал производиться в заказами папы и римской знати. Захваченный новыми планами, обширными архитектурными и декоративными работами, Рафаэль, возможно, не замечал творческий кризис, который надвигается на него. Он был богат и вел широкий образ жизни, прибегая к всевозможным удовольствиям. Любимый и такой, который прославляется всеми, он, наверно, был счастлив. Но силы его исчерпались. Непомерная напряженность труда и светские развлечения взорвали его здоровье. Лихорадка, что убила его, оказалась смертельной: 6 апреля 1520 года Рафаэль умер, оплакиваемый всем Римом. Его похоронили в Пантеоне. В тот же день один из современников, сообщая о смерти Рафаэля, написал: &quot;Закончилось его первая жизнь; его вторая жизнь, в его посмертной славе, будет продолжаться вечно в его произведениях и в том, что будут говорить ученые в его хвалу&quot;.</p> <p>Такой был этот большой мастер Высокого Возрождения.</p> <p> Информация взята из ресурса:&#160; <a href="http://allpainters.ru/" rel="nofollow" target="_blank">http://allpainters.ru/</a></p> mybb@mybb.ru (Андрей) Tue, 06 Aug 2013 17:40:08 +0400 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=32#p32 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=31#p31 <p>Ольга Акаси - художник от бога. Однако, никакие способности, никакой талант не достаются от бога просто так, но только собственные усилия, стремления к прекрасному, чувства утонченности, глубокое виденье живописи и постоянный труд: в изучении техники старых и новых мастеров, в собственном осмыслении истории живописи, в ежедневном приближении к идеальному полотну творят выразительного художника.</p> <p>Ольга Акаси непревзойденный мастер своего, независимого стиля - тонкого едва уловимого духа вечности. Обиды созданы ею одухотворенные, светлые, живые. Художница считает, что живопись базируется в первую очередь на чувстве, а не на уме, и в своих работах делает акцент именно на чувство. Современная живопись часто, сознательно или бессознательно, отходит от этого принципа.</p> <p>Еще пятилетним ребенком она впервые почувствовала в себе - тогда не совсем ей понятную и загадочную - силу, которая впоследствии будет осознана как воля к прекрасному. Раннее недовольство окружающим миром через многие годы проявится на ее полотнах: никаких жанровых сцен, побутописання, будничности и поверхности жизни. Потому что уже тогда, на рассвете своего становления, она надеялась в будущем переписать свое детство и юность на полотне.</p> <p>Художественное образование Ольга Акаси получила в Одесском государственном художественном училище им. Грекова. Однако через господство в этом заведении школы соцреализма, художница не смогла удовлетворить свои запить. Ольга Акаси отбрасывала любую идеологию, считая, что занятие живописью не должно быть ни политически, ни социально ангажированным.</p> <p>Акаси стала все чаще обращаться к традициям классической живописи, особенно к эпохе итальянского и голландского Возрождения. Художница обращается непосредственно к шедеврам старых мастеров, проводя дни в музеях Санкт-Петербурга и Москвы. В Петербурге и Одессе прошли ее первые выставки, прежде чем художница вернулась в Киев.</p> <p>Однако неугасимое стремление сохранить мгновение и максимально расширить творческие пути приводят художницу в Горную Шорию и Восточные саяны, Памир и Крым, Южную Сибирь и Карпаты. Длительное время она проводит в Горном Алтае, в верховьях Катуни, уча живописи других и учась сама. Вернувшись в тридцатилетнем возрасте к Киеву, Ольга Акаси - и ученик, и учитель: имея уже богатый живописный опыт, выкладывает в частных школах, как и раньше, считает своим учителем в первую очередь Возрождение.</p> <p>Всматриваясь в ее полотна, не перестаешь удивляться авторской потребности обращаться к неописуемому, несказанному внутреннему миру человека через видимое, с помощью зримых образов. И поскольку автор передает зрителю неописуемое, сущностное, то зримые же обиды должны быть дематериализоваными - тонкими и невыразительными, прозрачными и едва уловимыми.</p> <p>Художницы удается достичь этого эффекта с помощью техники многослойного занятия живописью, когда каждый отдельный слой должен хорошо высохнуть, прежде чем можно работать со следующим. Процесс этот очень трудоемок. Особенным авторским нюансом достигается эффект влажности глаз, прозрачности и нежности лица, которое светится вроде бы изнутри. Сложное сочетание теплых и холодных оттенков дает живой, чистый и светлый цвет лица, не досягаемый при монохромном занятии живописью, которое является особенным преимуществом ее картин.</p> <p>Отсюда то, что мы видим, как, например, в &quot;Девочке, которая молится&quot;: невыразительность, где ткань костюма прозрачна настолько, что несет на себе печать фона, где цвет градирует к крайнему пределу мировозрения. Как и в &quot;Инфанте&quot;, глаза девочки, которая молится, не закрытые и не обращенные к небесам, а направленные на зрителя, глаза в глаза. Этот взгляд, обращение на нас, и композиционно направлено кверху строение влекут зрителя внутрь полотна, делают его экзистенционным участником, который сопереживает.</p> <p>Ее зрелые работы последних лет - обиды не реально существующих людей. Это бесконечное приближение художника к глубокой и настоящей сфере идеального. Речь идет не просто об изображении того или другого конкретного человеческого лица, но о живописной феноменологии, своего рода иконопись, где каноны устанавливает сам художник.</p> <p>&quot;Гамлет&quot; - одна из последних работ художника, которая творчески символизирует осмысление образа и вечных экзистенционных вопросов, что провоцирует жизнь. Художник обращается к его детству, когда он еще не проникается такими важными и коварными вопросами, которые могут изменить и изменяют жизненное русло.</p> <p>Как уже понятно из работ Ольги Акаси, художницу больше всего интересует открытость души героев ее полотен. И потому она часто обращается к персонажам- детям, как, например, в &quot;Инфанте&quot; или &quot;Мальчике с мороженым&quot;. Лицо ребенка - лицо начала всего сущего. На полотне - незаполненость пространства, ничего, что бы отвлекало взгляд. Отсюда черный фон - рождаемая из небытия.</p> <p>Работы Акаси привлекают, с одной стороны, коллег-художников и ценителей, из другого - искусствоведов и культурологов - философичностью целостных и емких образов, метафизичностью полотен, их богатейшей семантикой. Много работ художницы находятся в частных коллекциях и галереях Украины, Франции, России, Голландии, Японии и США.</p> <p> Информация взята из ресурса:&#160; <a href="http://allpainters.ru/" rel="nofollow" target="_blank">http://allpainters.ru/</a></p> mybb@mybb.ru (Андрей) Tue, 06 Aug 2013 17:39:27 +0400 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=31#p31 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=30#p30 <p>Художник Николай Ге - один из блестящих представителей когорты передвижников. Любителям живописи он известен как автор полотен &quot;Тайна ужин&quot; и &quot;Петр I допрашивает царевича Алексея&quot;, преисполненных психологического напряжения картин религиозной тематики. Фамилия Ге знакома и большинства простых обывателей, которые с увлечением разгадывают разнообразные кроссворды. Почти в каждом из них встречается это короткое, необычное, с французским корнем фамилия (предки художника убежали из Франции в ХVIII веке, спасаясь в России от революционных событий).</p> <p>Николай Ге принадлежал к той передовой части интеллигенции, которая высоко несла эстетичные и моральные идеалы эпохи. Но он во многом сумел опередить время - и в творчестве, и в моральных поисках истины. Стремясь показать глубину человеческих страстей и страданий за правду, Ге пошел от тесноватых уже для него рамок традиционной живописи передвижников - их идейного натурализма. Силу эмоций своих героев и драматизм ситуации он выразил в таком динамизме формы и мазка, что сделало его предсказателем экспрессионизма - художественного течения ХХ века.</p> <p>Еще смолоду, учась в Киевской первой гимназии, Николай Ге почувствовал влеченье и способности к искусству. Но, закончив гимназию, он сначала вступает на математическое отделение философского факультета Киевского университета св. Владимира, а впоследствии продолжает учебу на том же факультете уже в Петербуржском университете. Там он знакомится с Парменом Забелло - студентом Академии Искусств и, не закончив университет, поступает в Академию искусств. Так Пармен Забелло &quot;спровоцировал&quot; Николая Ге на художественный путь. И в последующем жизнь художника тесно переплелась с семьей Забелло, а также с жизнью и творчеством Ильи Репина и целой плеяды художников ХІХ века.</p> <p>Во время учебы в Академии искусств первыми картинами М. Ге были &quot;Суд Соломона&quot; и &quot;Ахиллес оплакивает Петрокла&quot;. За последнюю он получил золотую медаль.</p> <p>Жизнь художника была насыщенна многими важными событиями и встречами с выдающимися людьми той поры. Он много ездил по Европе, и по своей стране, не раз бывал желаемым гостем и в Ясной Поляне, где его другом была Татьяна Львовна - писательница, дочь Льва Николаевича, который лично имел значительное влияние на становление мировоззрения художника.</p> <p>в 1876 году художник вместе с семьей поселился на маленьком хуторе Ивановский, близ станции Плиски Черниговской губернии. Небольшой, очень скромный, осадистый, совсем не похожий, на помещицкие усадьбы домик до конца дней художника был его убежищем, его творческой мастерской.</p> <p>С украинской землей Николая Ге связывало много. По линии матери он был украинцем. Хотя и родился в Воронеже, но детские годы его прошли в имении отца на Подолье. Жена Ге - Анна Петровна - из древнего украинского рода Забилл.</p> <p>Его решительный разрыв с привычной жизнью - это реализовано исконное стремление российского интеллигента быть ближе до народа. В украинской глубинке Николай Ге проявил себя как весьма оригинальный, самобытный художник со своей жизненной философией. Он становится усердным последователем морально-этического учения Льва Толстого. Захваченный благородной целью служения народу, которая в его сознании пересеклась с идеей жертвенности Христа, Ге создает свои выстрадавшие, самые глубокие полотна. Здесь художник пишет картины преимущественно евангельского содержания. Начало этому направлению положила &quot;Тайна ужин&quot;. Она же дала ему широкую огласку и титул академика занятия живописью. Впоследствии эта картина была приобретена Александром ІІ для музея Академии искусств.</p> <p>Природа Украины во многом определила образное строение работ художника. Воспеты М.Гоголем, написанные И.Крамским и О.Куинджи украинские лунные ночи нашли свое отображение не только в пейзажах Ге, но и в его драматичных картинах. Холодный месячный свет становится важным эмоциональным камертоном страданий Христа, который предчувствует свой конец (&quot;Выход в Гефсиманский сад&quot;), и упреков больной совести Иуды, который одиноко бреде ночью (&quot;Совесть. Иуда&quot;).</p> <p>Произведения, написанные в Украине, Николай Ге представлял на передвижных выставках в Петербурге и Москве. Однако публика, которая привыкла к другому, более &quot;красивой&quot; живописи, не воспринимала эти картины, которые вынуждали вздрагивать от изображенной с таким надрывом человеческой боли. Даже давний почитатель таланта Ге, известный меценат П.Третьяков, увидев картину &quot;Что есть истина?&quot;, зачел ее к &quot;нехудожественным&quot; и очень долго сомневался в необходимости ее приобретения.</p> <p>Но были в Ге и пылкие почитатели его творчества, последователи его, художественной и жизненной философии. Это - воспитанники Киевской рисовальной школы Николая Мурашка, с которым у прославленного мастера установились самые тесные отношения. Во время своих достаточно частых приездов к городу, Ге всегда посещал школу - читал лекции, разговаривал с учениками, обсуждая их работы. Молодежь тянулась к этому мудрому, внимательному и хорошему человеку. А он среди общей массы выделял самых способных - заботился ими, приглашал к себе на хутор, где они долго жили.</p> <p>Сама обстановка мастерской, возможность наблюдать за работой художника, длинные разговоры об искусстве становились для молодых людей серьезной школой мастерства. Среди его любимых учеников были С.Костенко, В.Замирайло, А.Куренной, Г.Бурданов, С.Яремич, Л.Ковальский, Г.Дядченко, И.Пархоменко. Они скрашивали одиночество художника после смерти его жены, помогали в домашних делах, в работе. Известно, что Степан Яремич, впоследствии признан искусствовед и художник, позировал, подвязанный бечевками к импровизированному кресту, для последней и самой трагичной картины его учителя - &quot;Распятия&quot;, которая стала своеобразным реквиемом мастеру.</p> <p>О Ге его современники оставили много воспоминаний, в которых очень часто вспоминается хутор Ивановский. Человеческая сущность художника особенно ярко вырисовывается в воспоминаниях дочери Льва Толстого Татьяны. Живя на хуторе, Николай Николаевич примкнул к вегетарианству, пытался как можно меньше пользоваться услугами прислуги и делал для себя все сам, что было ему по силам. Он признавал необходимость физического труда и вне занятий полем, сада, пчелами у себя на хуторе избрал еще и профессию печника. Он красиво клал печи и любил эту работу, оставил после себя много печей в округе. Вероятно, некоторые из них доныне служат людям...</p> <p>Отличительной чертой Николая Ге была любовь к людям. В любом человеке он находил красивую сторону. И если во время работы к нему приходил кто-то за советом или с просьбой, он бросал работу и посвящал все свое внимание посетителю.</p> <p>У Ге был странный дар влиять на людей, принуждать себя слушать и находить с каждым человеком те точки общения, на которых не могло быть расхождений. Он замечательно говорил, всегда вкладывая в свои слова всю свою душу.</p> <p>Очень характерным является отношение Николая Ге к своим коллегам. Пожаловав как-то с писателем Иваном Тургеневым к Репину и увидев &quot;Бурлаков&quot;, над которыми тот работал, уже знаменитый на то время Николай Ге, картину которого &quot;Тайна ужин&quot; Репин считал вершиной в мировом искусстве, сказал Репину, что &quot;Бурлаки&quot; затмили &quot;Тайну ужин&quot;.</p> <p>К деньгам Николай Ге относился равнодушно. И если у него покупали картину, он радовался, прежде всего, потому, что это было признание его работы.</p> <p>Информация взята из ресурса:&#160; <a href="http://allpainters.ru/" rel="nofollow" target="_blank">http://allpainters.ru/</a></p> mybb@mybb.ru (Андрей) Tue, 06 Aug 2013 17:38:53 +0400 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=30#p30 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=29#p29 <p>В историю российской живописи Исаак Ильич Левитан вошел в первую очередь как пейзажист. Левитан - творец так называемого “пейзажа настроения”. Художник умов очень тонко передать разнообразность состояния природы, дать почувствовать всю заманчивость окружающего мира.</p> <p>На картине “Золотая осень” мы видим березовую рощу в медно-золотом осенним отделке. В глубине луга теряется река, на левом бережке которой стоят стройные бело-желтые березки и две осинки с уже почти опавшими письмами. Вдали видные красноватые ветви кустарнику. Земля покрыта желтеющей увядшей травой. А на правом бережке реки - ряд еще зеленых ив, которые вроде бы упираются осеннему зів’яненню. Речная гладь кажется неподвижной и холодной. На поверхности воды отражается светлое небо с белыми тучами.</p> <p>Осенний день, изображенный художником, полон света. В картине преобладают жизнерадостные свете тона. Почти на линии горизонта видные очертания строений, леса, полей, засеяных озимкой. Пейзаж “Золотая осень” изображает именно лирическое из времен года. “Унылая пора! глаз очарование приятна мне твоя прощальная красота”, - так сказал о золотой осени Александр Сергеевич Пушкин. Наверно, именно эти строки повторял о себе Исаак Левитан, работая над своими знаменитыми пейзажами.</p> <p>Художник умов, осень в первую очередь как свято красок, как прощание с летом. Пейзаж этот не навевает смутные мысли о будущей длинной зиме. Ведь в природе все одинаково прекрасно, и каждое из времен года имеет свою неповторимую заманчивость.</p> <p>Информация взята из ресурса:&#160; <a href="http://allpainters.ru/" rel="nofollow" target="_blank">http://allpainters.ru/</a></p> mybb@mybb.ru (Андрей) Tue, 06 Aug 2013 17:38:04 +0400 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=29#p29 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=28#p28 <p>Екатерина Билокур, родилась в селе Богдановка Пирятинского уезду Полтавской губернии (теперь это Яготинский район Киевской области), когда именно до конца не выяснено. Официальной датой ее рождения было, в конечном итоге, признано 25 ноября (7 декабря) 1900 года. Это было более логическим, ведь - это день святой великомученицы Екатерины.</p> <p>Приблизительно в 6-7 лет Екатерина научилась читать. Отец и дед сначала помогали ей в этом, но были удивлены рвением и успехами девочки. На семейном совете было решено - в школу Катю не отдавать, поскольку читать она и так умеет, а экономия одежды и обуви - огромна. Лучше посадить ее за прялку.</p> <p>Когда именно будущая художница начала рисовать - сказать трудно, но, очевидно, это состоялось в детстве, а уже в отрочестве. Рисовала углем на кусочках холстины. В 14 лет Екатерину застали за этим бессмысленным, как считали родственники, занятием и сурово запретили рисовать. Вот тогда девочке приходилось творить тайком.</p> <p>В 1922 или 23 году Екатерина Билокур (по одной версии - в календаре, за другой - в журнале &quot;Советское слово&quot;) прочитала о Миргородском техникуме художественной керамики. Слово &quot;керамика&quot; оказалось для нее незнакомым, а вот слово &quot;художественный&quot; было понятным. В первый раз, покинув Богдановку, Екатерина Билокур, отправляется в Миргород. ЕЕ багаж состоял из двух рисунков: &quot;копия из какой-то картинки&quot; и набросок дедовского дома из натуры, - выполненных уже не на холстине, а на специально приобретенной для этого случая бумаге. Рисунки должны были свидетельствовать, что девушка, действительно, имеет талант, достаточный для вступления в техникум. Но разговор в Миргородском техникуме закончился сразу, как только оказалось, что девушка не закончила семилетку. На рисунки Палаче даже не глянули.</p> <p>Невзирая нет, на что, рисовать Екатерина не бросила. Она еще более рьяно взялась за работу, с надеждой повторить попытку. В 1928 году она опять решает попробовать свои силы. В этот раз в Киевском театральном техникуме. Однако и здесь разговор закончился на документе о школьном образовании.</p> <p>После дежурной неудачи, Катя Билокур, начинает овладевать непростым ремеслом художника сама. Рисунки углем на кусочках холстины остались в прошлом. В прошлом и картины, созданные красками собственного изготовления на картоне и фанере. Акварелью и карандашом она всегда работала мало и неохотно. Художницу больше всего привлекали масляные краски. Они кажутся ей ослепительными, даже их названия звучат сказочно: киноварь свет - и темно-красная, кобальт темно-синий, ультрамарин, кадмий красен, краплак темно розовый... Это ее любимые краски. Кисти она делает сама - выбирает из кошачьего хвоста волоски одинаковой длины: 9, 12 или 36. Для каждой краски своя кисточка.</p> <p>Наставники в овладении масляной живописью у Кати Билокур все-таки были. Кто-то научил ее грунтовать полотно, потому что сначала она пыталась писать непосредственно на полотне, но картины быстро темнели и жухли. Возможно, ей помог учитель Иван Григорьевич Калита, тоже художник-любитель, а, возможно, - иконописец из Cмотриков, единственный художник, которого уважал ее отец. В 1934 Катя Билокур, создает свою &quot;Березку&quot; - одну из трех картин, которые принесли ей мировую славу. Через год рождается &quot;Цветы над плетнем&quot; - другой прославлен шедевр.</p> <p>1939 год определил последующую судьбу художницы. Гостюя в сестер Любы Тонконог, Катя услышала по радио песню &quot;я ли в лузе не калина была?&quot; в исполнении прославленной Оксаны Петрусенко. Поражена песней и голосом Екатерина, посылает письма певице. Вложенный в конверт вместе с письмом рисунок на кусочке полотна - калина, поразил Оксану Петрусенко. Она советуется с друзьями - Касияном, Тычиной, идет в Центр народного творчества, выкладывает суть дела. В Полтаву поступает распоряжение - съездить в Богдановку, найти Катю Билокур, поинтересоваться ее работами.</p> <p>И вот в село приезжает Владимир Хитько, который возглавлял тогда художественно методический совет областного Дома народного творчества. Пораженный работами, несколько картин он забирает с собой в Полтаву, показывает коллеге, а вторую, художнику Матвею Донцову. Было решено немедленно устроить выставку. И в 1940 году в Полтавском доме народного творчества открывается персональная выставка художницы-самоучки из Богдановки Кати Билокур, которая состояла из 11 картин.</p> <p>Успех огромен. Екатерину Билокур, премируют поездкой к Москве. Ее сопровождает Владимир Хитько. Художница посещает Третьяковскую галерею, Пушкинский музей, музей Ленина. Главное впечатление - &quot;малые голландцы&quot;, художники-передвижники и французские импрессионисты. Некоторое время после этой поездки она не могла писать. Но успокоившись, она снова и снова пишет цветы, которые не может не писать, потому что лучше их нет ничего в мире. В 1941 году Катя Билокур создает известные &quot;Полевые цветы&quot;.</p> <p>Началась война. В 1944 году в Богдановку приезжает директор Государственного музея украинского народного декоративного искусства Василий Нагай - предложить выставку и закупити картины. Кстати, именно благодаря его стараниям этот музей имеет наилучшую коллекцию работ Кати Билокур. </p> <p>Одна за другой создает художница свои прославлены картины - &quot;Декоративные цветы&quot; (1945), &quot;Привет урожая&quot; (1946), &quot;Колхозное поле&quot; (1948-1949), &quot;Царь Колос (1949), &quot;Завтрак&quot; (&quot;Завтрак&quot;) (1950), &quot;Цветок и березка, вечером&quot; (1950), &quot;Арбуз, морковь, цветы&quot; (1951), &quot;Цветы и виноград&quot; (1953-1958), &quot;В Богдановке на Загребли&quot; (1955), &quot;Георгины&quot; (1957), &quot;Пионы&quot; (1958), &quot;Натюрморт с колосками и кринкой&quot; (1958-1959), &quot;Букет цветов&quot; (1959).</p> <p>Цветы художница писала всегда живые, из натуры, нередко совмещая в одной картине весенние и осенние - такая картина создавалась природно, с весны до осени. Работала самозабвенно, но не спеша. Была творцом пейзажей и портретов.</p> <p>Послевоенная биография богдановской писательницы несколько лучше. В 1949 году была прийнята к Союзу художников Украины, в 1951 - награжденная орденом &quot;Знак почета&quot;, получила звание Заслуженного деятеля искусств Украины, а в 1956 году - Народного художника Украины. Произведения Екатерины Билокур регулярно экспонируют на выставках - в Полтаве, Киеве, Москве и других городах.</p> <p>Три картины Билокур - &quot;Царь-Колос&quot;, &quot;Березка&quot; и &quot;Колхозное поле&quot;, - были включены к экспозиции советского искусства на Международной выставке в Париже 1954 года. Здесь их увидел Пабло Пикассо. Весь мир облетели его слова: &quot;Если бы мы имели художницу такого уровня мастерства, то заставили бы заговорить о ней целый мир!&quot; Он сравнивал Екатерину с другой большой художницей-самоучкой - Серафин Луиз из Сандли.</p> <p>У Богдановкой художницы появляются ученики: Ольга Бинчук, Тамара Ганжа, Галина Самарская.</p> <p>Мысль переехать в Киев так и осталась мечтой. Здоровье Екатерины Билокур с каждым днем ухудшается. 10 июня ей сделали операцию на ноги. То ли неудачную, или уже напрасную, но в тот же день художницы не стало.</p> <p>Дом Билокуров в Богдановке - давно уже Музей-усадьба Екатерины Билокур. Здесь и она сама, с розами - скульптура работы Ивана Билокура, племянника художницы, сына ее брата Григория Васильевича. Перед этой скульптурой через четверть века после того, как большая &quot;одержимая&quot; упокоїлася навеки.</p> <p>Информация взята из ресурса:&#160; <a href="http://allpainters.ru/" rel="nofollow" target="_blank">http://allpainters.ru/</a></p> mybb@mybb.ru (Андрей) Tue, 06 Aug 2013 17:36:44 +0400 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=28#p28 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=27#p27 <p>Всемирно-известный маляр родился 11 февраля 1878 года в Киеве. Родители были поляками. Он закончил экономическое училище в с. Пархомивка, посещал Киевскую рисувальну школу Николая Мурашка, учился в Школе-студии И. Реберга.</p> <p>В Курске 18-летний Казимир приступает к организации кружка любителей искусства. Его ближайшими помощниками становятся брат Болеслав и товарищ Николай Рославец. Возглавлял кружок профессиональный живописец Лев Квачевский.</p> <p>Впервые работы Малевича появился на выставке в 1898 году. Казимир стремительно проходил разные этапы развития искусства: Малевич - импрессионист, состоялся в 1907 году - после длинного пребывания в Курске. Его произведения напоминали скорее постимпрессионистов.</p> <p>Эстетичные вподобання киевлянина за рождением, много в чем оформились под воздействием народного искусства Украины - крестьянских вышивок, лубков, народных орнаментов. В то же время в организованных художниками-авангардистами мастерских украинские крестьянки изготовляли изделия за супрематичними эскизами. Он был искателем философии цвета и исследователем динамики цветных соотношений.</p> <p>В 1910 г. его работы появляются на наиболее &quot;левой&quot; по тем временам экспозиции - первой выставке нового творческого объединения &quot;Бубновый валет&quot;. В 1912-ом художник становится еще левее - экспонируется на выставке &quot;Ослиный хвост&quot;. Ее составляли работы М.Ларионова, Н.Гончаровой, Марка Шагала, В.Татлина и других художников признанных, впоследствии всемирной классикой. Произведения Малевича экспонируются также за рубежом, на ІІ выставке объединения &quot;Синий всадник&quot; (Мюнхен). Все больше Казимира захватывает новая творческая организация, члены которой называли себя футуристами.</p> <p>В начале 1910-х годов для Малевича футуризм - откровение. На выставке &quot;Мишень&quot; (1913) он презентует цикл произведений футуристического характера, охарактеризованных им как &quot;алогичные работы&quot; или &quot;заумний реализм&quot;.</p> <p>&quot;Черный квадрат&quot; Малевич шокировал культурную публику 1913 года и до этого времени продолжает шокировать ту ее часть, для которой сущность картины не изменяется от того, красный или белый фон имеет черный квадрат.</p> <p>1914-й для Малевича богатый на футуристические события. Он перебирается в &quot;Башню Татлина&quot; - кооперативную мастерскую на Остроженци, 37 (Москва). Три работы Малевича экспонируются в &quot;Салоне независимых&quot; (Париж).</p> <p>Казимир Малевич становится одним из главных участников организованной в 1915 г. &quot;Первой футуристической выставки&quot; &quot;Трамвай В&quot; (принимали участие также Л.Попова, О.Розанова, Н.Удальцова, А.Екстер, В.Татлин). Но и кубофутуризм стал для К.Малевича пройденным этапом. В своей мастерской он тайно работает над картинами в совсем новой манере, которую называет супрематизм (от латинского &quot;supremus&quot; - более высокий).</p> <p>Новые работы были показаны 1915-го на Последней футуристической выставке картин под названием &quot;0, 10&quot; (Петроград). Содержание своего открытия художник объяснил в брошюре &quot;От кубизма и футуризма к супрематизму. Новый живописный реализм&quot;.</p> <p>Он возглавляет петроградські Свободные мастерские (Свомас). Начинает выкладывать в московских &quot;Свомас&quot;</p> <p>В 1919 г. его приглашают выкладывать в Народную художественную школу, основателем и председателем которой является Марк Шагал.</p> <p>Ученики витебской школы - сторонники Малевича - создают объединение &quot;Молпосновис&quot; (Молодые последователи нового искусства). Через несколько дней оно сливается с группой руководителей мастерских и получает название &quot;Посновис&quot; (Последователи нового искусства), позже - &quot;Уновис&quot; (утвердители нового искусства).</p> <p>В жизни Малевича были три персональных выставки. Первая (1919) состоялась в Москве под названием &quot;Казимир Малевич. Его путь от импрессионизма к супрематизму&quot;. Вторая, была посвящена 25-річчю творческой деятельности художника. А третья (1930) состоялась уже в Киеве, поскольку последний всплеск творческой активности автора, непосредственно связанный с Украиной.</p> <p>Всемирная слава приходит к Малевичу в середине 1920-х годов. Его произведения представлены на многочисленных выставках в странах Западной Европы и США. Пребывание Малевича за рубежом (Польша, Германия, США) становится настоящим триумфом.</p> <p>В 1928-1930 гг. Казимир выкладывает в Киевском художественном институте. Осенью в следующем году Малевича арестовали, и к началу декабря он находился в тюрьме.</p> <p>В 1932-ом он возвращается к деятельности, и стал руководителем экспериментальной лаборатории в Государственном российском музее. В 1933 году художник трудно занемог.</p> <p>Казимир Малевич умер 15 мая 1935 года в Ленинграде. Согласно завещанию, урна с его прахом была похоронена в Нимчиновци. На могиле установили памятник, спроектированный М.Суетиним, - белый куб с черным квадратом. Во время войны памятник был разрушен, а могила - затерянная.</p> <p>Информация взята из ресурса:&#160; <a href="http://allpainters.ru/" rel="nofollow" target="_blank">http://allpainters.ru/</a></p> mybb@mybb.ru (Андрей) Tue, 06 Aug 2013 17:36:02 +0400 http://art.bbrpg.ru/viewtopic.php?pid=27#p27